Voici le titre parfait. En effet, Des Serpents dans l’Avion est à la fois le titre, mais aussi le pitch de départ ainsi que le résumé parfait de tout ce qui se déroule à l’écran.
Il y a un avion. Dans cet avion il y a, outre les passagers, une multitude de serpents venimeux de toutes sortes. Refermez, mélangez le tout, et vous obtenez un film de série Z dans la plus pure tradition.

Enfin de série Z pas tout à fait… du moins si c’est le cas sur le fond, il n’en est rien sur la forme. Des Serpents dans l’Avion c’est peut-être un scénario qui tient en une simple phrase, mais c’est aussi un film qui n’hésite pas sur les effets spéciaux de qualité et une tête d’affiche qui porte une bonne partie du long métrage sur ses seules épaules : Samuel Lee Jackson (la rumeur veut qu’il aurait accepté le film rien que sur son titre !).
Parce qu’une chose est sûre et certaine, Jackson tient là un rôle écrit sur mesure pour lui. Un film où ça pète, où les punchlines pleuvent et où il joue le gars couillu toujours à la cool, à qui rien ne résiste et qui vient à bout de tout le sourire aux lèvres et sans le moindre effort apparent.

L’argument de départ du film est on ne peut plus simple, ce qui a le double avantage de ne pas compliquer volontairement quelque chose qui n’en vaut pas la peine (ou autrement dit : pourquoi faire compliqué si on peut faire simple ?), et de permettre d’aller directement au vif du sujet, à savoir dans un avion qui transporte des centaines de serpents mortellement dangereux.
Un jeune homme (Nathan Phillips alias Sean Jones) est témoin d’un meurtre crapuleux incriminant le chef de la pègre de Hawaï en personne. Il doit aller témoigner à Los Angeles et c’est l’agent spécial du FBI Neville Flynn (Samuel L. Jackson) qui est chargé de l’escorter. Pour ce faire il réquisitionne une partie de l’avion de ligne dans lequel officie la jolie hôtesse de l’air Claire Miller (Julianna Margulies). Mais la mafia, bien décidée à ce que le témoin n’arrive jamais à destination, s’arrange pour inclure dans la soute de l’appareil une cargaison impressionnante de serpents venimeux en tous genres. Ceux-ci sont libérés par une minuterie et se répandent dans tout l’avion, rendus fous d’agressivité par une hormone qui a été soigneusement dispersé sur les colliers de fleurs offerts aux passagers. À partir de ce moment le carnage commence, les serpents s’insinuent partout et mordent tout ce qui passe à portée de crocs. Flynn va devoir se démener pour ramener l’avion à bon port et garder son témoin en vie…


Évidemment dans la salle on n’attend qu’une chose, c’est que les serpents attaquent, et on n’est pas déçu puisque non seulement ça arrive très tôt dans le film, mais surtout parce que l’attaque est d’une rare sauvagerie pour un film hollywoodien actuel. Les serpents sont visiblement de beaux sadiques et ils ne semblent totalement satisfaits que s’ils parviennent à bien faire souffrir leurs victimes. De ce point de vue le réalisateur David R. Ellis (qui a déjà fait preuve de son dynamisme dans Destination Finale 2, et qui a commis le plus regrettable mais musclé Cellular) se lâche complètement et se fait visiblement plaisir en mettant en scène les morsures les plus horribles dans les situations les plus diverses. Les baiseurs fous qui s’envoient en l’air dans les toilettes de l’avion ouvrent le bal, et dès lors c’est une véritable bataille rangée entre les reptiles malfaisants et les passagers paniqués. D’ailleurs la galerie des personnages est truculente comme dans tous les films de ce genre, mais rares sont ceux qui s’en tireront indemnes…


Au départ j’avoue que je n’étais pas très chaud pour voir ce film en salle, me disant qu’une vision en dvd tranquillement installé dans mon salon suffirait amplement. Et à vrai dire, je n’ai pas trop changé d’avis à ce sujet, mais cela dit je ne regrette absolument pas de m’être déplacé pour le voir au cinéma. J’ai passé un très bon moment de franche rigolade, devant un film totalement décomplexé et qui assume son statut de nanar bourrin. Les effets sont là, l’humour est là, et surtout ce qui place Des Serpents dans l’Avion loin, très loin devant tous les films de genre auquel il s’apparente (entendez par là, tous ces films où des vilaines bébêtes attaquent les gentils héros), c’est sa méchanceté non-censurée et jouissive. Personne n’est à l’abri, ni les jeunes ni les vieux, ni les hommes ni les femmes, ni les sympas ni les affreux. Tous sont des victimes potentielles, et nombreux sont ceux qui sortiront de l’avion les pieds devant. Ellis se permet quelques moments de pure sauvagerie et des répliques tout sauf politiquement correct (le fameux « I’ve had it with these motherfuck’ snakes on this motherfuck’ plane ! » en tête). Rien que pour ce jeu de massacre, le film mérite le coup d’œil et se démarque d’un film comme Arac Attack très amusant lui aussi mais largement moins jusqu’auboutiste que son compère reptilien.


Alors Des Serpents dans l’Avion est plus que conseillé si vous voulez vous plonger dans un bon film bourrin, drôle et méchant, visuellement très réussi. Sachez juste que le scénario est la portion congrue du film, mais soit dit en passant quand on va voir un film avec un titre pareil, on n’y va pas pour voir du Shakespeare, mais … des serpents ! Et là, pas de déception, bien au contraire.

Donc histoire de se laisser aller un bon coup avant d’entamer une rentrée certainement très sérieuse, se priver de ce film serait une erreur. À bon entendeur…

Le nouveau film de M. Night Shyamalan est enfin sur les écrans, et il a été précédé d’une réputation peu flatteuse tant le film a été un flop au box office américain (ce qui soit dit en passant est plus souvent bon signe qu’autre chose).

Depuis son énorme succès avec Sixième Sens, chaque nouveau long métrage de Shyamalan est attendu avec impatience et à chaque fois il a son lot de déçus et de détracteurs. Très certainement parce que le Sixième Sens a marqué durablement, et que même inconsciemment, les spectateurs attendent d’être à chaque fois autant touchés qu’ils l’ont été par la première collaboration entre Shyamalan et Bruce Willis. Ça n’a jamais été mon cas car je n’ai jamais attendu de chose particulière des films de Shyamalan. Ce qui fait qu’à chaque fois j’ai pris ses films pour ce qu’ils sont (et non pas pour la redite du premier que la plupart auraient voulu qu’ils soient), et ça m’a non seulement évité les déceptions mais au contraire, j’ai pu ainsi apprécier pleinement ses différentes oeuvres.


De manière générale, ce que j’ai toujours beaucoup aimé chez ce réalisateur c’est son story-telling, l’ambiance qu’il installe dans ses films, et la progression de ses personnages dans l’histoire. D’ailleurs ce que je considère comme des qualités peut s’avérer être à double-tranchant, nombreux sont ceux qui trouvent justement ses films trop lents, trop calmes et pas assez spectaculaires. Et en effet, pour que la sauce prenne, il faut qu’on soit imprégné de l’histoire dès le départ, sinon on se sent sur la touche, et le film peut paraître opaque voire inintéressant.

C’est ce qui s’était passé pour moi avec Incassable, Signes et Le Village, je suis directement entré dans l’histoire, et une fois dans l’ambiance les films ont parfaitement fonctionné sur moi. Beaucoup voient dans les films de Shyamalan des films qui jouent d’une part sur la peur (des revenants dans Sixième Sens, des extra-terrestres dans Signes, des monstres dans Le Village et La Jeune Fille de l’Eau) et qui parallèlement vous embarquent dans une intrigue qui se retourne totalement lors d’un twist final qu’on ne voit pas venir. C’est en partie vrai, mais ce n’est qu’un carcan (pas du tout figé d’ailleurs) dans lequel il inscrit ses films et construit ses histoires. Mais le plus intéressant à mes yeux, c’est tout le reste : le développement de l’intrigue, la gestion des personnages et les émotions qu’ils font partager, et encore et avant tout l’ambiance qu’il installe.


C’est donc dans cet état d’esprit habituel que je suis allé voir La Jeune Fille de l’Eau, et pour la première fois je n’ai pas été convaincu par ce qui a jusqu’ici toujours fait la force de Shyamalan : l’histoire. Je ne me suis tout simplement pas senti impliqué dans les évènements, et du coup j’ai suivi le film en tant que spectateur extérieur.
Le film est un peu différent des thèmes que le réalisateur a abordé jusqu’à présent, ou plutôt dirais-je qu’il a poussé l’idée générale qui l’anime à son extrême. Après avoir touché aux histoires de fantômes, de super-héros et d’extra-terrestres dans ses premiers films, il avait abordé sans vraiment y entrer totalement celui des légendes et des peurs ancestrales avec une ambiance très petit poucet dans Le Village.
Ici il va plus loin et entre de plein pied dans le monde des contes, sans retenue aucune, presque naïvement, en tout cas avec beaucoup de simplicité et d’authenticité. Dans ce film il ne joue plus sur le questionnement et le doute du spectateur, tout est exposé et expliqué. L’élément fantastique est mis en place dès le départ et assumé pleinement : il y a des êtres fabuleux tout autour d’une résidence en plein Philadelphie. Une Narf (une nymphe aquatique) et un Scrunt féroce qui veut en faire son petit-déjeûner, un aigle géant qui sert de transport aérien aux narfs, des êtres mi-singes mi-hommes au nom imprononçable qui veillent au respect des règles entre le bien et le mal, et enfin des humains dotés de pouvoirs qui sont là pour aider la Narf à rentrer chez elle…


Bref, tout un bestiaire très particulier et totalement en décalage avec le monde moderne. Comme dans n’importe quel conte pour enfants, sauf que Shyamalan nous demande comme postulat de départ d’y croire et de l’accepter comme la réalité. Là où les contes fonctionnent parce qu’ils s’adressent aux enfants, Shyamalan prend le pari risqué de transposer ce schéma aux adultes (car ce sont avant tout eux son public cible). Et je pense sincèrement que ce pari est quasiment ingagnable. De fait, soit on prend cette histoire à la rigolade (j’ai en effet entendu pas mal de rires dans la salle), soit on réussit à libérer la part d’enfant en nous pour accepter l’histoire telle qu’elle est. Soit encore on regarde le film sans déplaisir, mais d’un œil extérieur, observateur, et sans cette « magie » qui fait qu’on est habituellement immergé dans les films de M. Night Shyamalan, l’impact résultant est beaucoup moins grand.

Cela dit, La Jeune Fille de l’Eau n’est pas un mauvais film, loin de là, il possède même beaucoup de qualités, à commencer par une galerie de personnages intéressants interprétés par des comédiens très inspirés (mention spéciale à Paul Giamatti alias Cleveland, au jeu tout en finesse et en sincérité, et à Bryce Dallas Howard qui a vraiment l’air d’être « d’un autre monde » dans le rôle de la Narf) et une direction d’acteurs très pertinente de la part de Shyamalan. Shyamalan qui maîtrise toujours aussi bien ses effets, bien que ce film-ci repose moins là-dessus que les précédents.

Mais malgré tout, La Jeune Fille de l’Eau ne m’a pas totalement convaincu comme l’ont su le faire ses autres longs métrages. Je l’ai regardé sans passion, conscient de ne pas être impliqué dans l’histoire. Un peu comme lorsqu’on écoute un conte pour enfants avec des oreilles d’adultes… c’est bien fait et amusant, mais ça ne touche pas sa cible. Peut-être le film mériterait-il un second visionnage dans quelques temps, pour être vraiment apprécié pour ce qu’il est.

Ce n’est pas une véritable déception en soi, juste l’impression d’avoir vu un joli film en l’analysant plutôt qu’en le vivant. À voir pour se faire sa propre opinion.

Après Batman Begins de Christopher Nolan en 2005, DC relance sur grand écran la carrière de l’autre icône incontournable de son catalogue de super-héros : Superman. Et quel héros ! De tous, il est réputé être le premier (ce sont ses créateurs Joe Shuster et Jerry Siegel, qui ont posé en 1938 avec lui les jalons du comic de super-héros), et surtout le meilleur.

Dans Superman Returns, on est projeté plusieurs années après l’histoire du dernier film de la licence (Superman IV, 1987), durant lesquelles Superman (Brandon Routh) avait disparu de la surface de la Terre pour se rendre à l’emplacement de sa planète détruite Krypton, pour y chercher des réponses sur son passé. Quand il revient sur Terre, il découvre que le monde a appris à se passer de lui, y compris sa chère et tendre Loïs Lane (Kate Bosworth), mais il sera très vite remis à contribution face au danger imminent que représente un Lex Luthor (Kevin Spacey) plus revanchard que jamais et bien décidé à prendre le contrôle de la planète entière, en utilisant pour cela la technologie kryptonienne laissée à l’abandon pendant son absence par Superman…
Voilà pour le scénario somme toute assez simple.


Pour tout dire, moi qui suis un grand amateur de super-héros de toutes sortes, je n’ai jamais accroché à Superman, le prototype pourtant parfait du genre. Il est justement trop « parfait ». Rien ne peut lui résister, rien ne peut l’arrêter, rien ne peut le surpasser. Possédant un pouvoir incommensurable (puissance sans limite, super-vitesse, sens exacerbés, vision à rayon X, rayons occulaires dévastateurs, souffle réfrigérant, résistance à tous les impacts ainsi qu’au vide et aux températures extrêmes,…) et l’âme d’un éternel boy-scout, Clark Kent alias Superman est au sommet de ce qui se fait de mieux en termes de surhommes.
Ce trop plein de pouvoir fait de lui un héros qui ne craint rien ni personne, il est invulnérable, intouchable, imbattable. Au point qu’il en devient très vite si lisse qu’on a du mal à s’intéresser à son sort et pour cause : comment s’inquiéter pour quelqu’un qui ne risque jamais rien et dès lors, comment trouver de l’intérêt à ses aventures dont il sortira toujours vainqueur puisqu’il incarne la perfection ?
Non pas qu’il y ait tant de suspense avec les autres super-héros, eux aussi finissent la plupart du temps par gagner (quoique cette tendance commence à perdre du terrain au profit de quelques losers et de héros subissant de cuisants échecs, bien que ce ne soit pas la règle générale en la matière), mais dans le cas de Superman on ne peut même pas croire un instant qu’il puisse se trouver en danger, ce qui à mes yeux annihile d’entrée tout l’intérêt d’un récit.

Les scénaristes ont bien tenté avec les années de poser des limites à son invincibilité, en le rendant sensible à la kryptonite par exemple, mais ce genre d’artifices et d’astuces de narration ne sont pas déclinables à l’infini, ce qui limite d’autant les mésaventures potentielles du héros rouge et bleu.

Et pourtant, très curieusement, alors que lire Superman a plus tendance à m’endormir qu’à me tenir en haleine, à chaque fois que je le vois sur un écran de cinéma, c’est tout l’inverse. Comme si quelque chose de magique se produisait… C’était déjà le cas avec le Superman incarné par l’inoubliable Christopher Reeve dans les films de l’innovant et précurseur Richard Donner, et cela fonctionne encore une fois avec cette nouvelle version plus moderne : je trouve Superman au cinéma bigrement enthousiasmant !



À la condition expresse d'accepter l'idée qu'une paire de lunettes puisse devenir un déguisement qui permette de ne pas être reconnu par ses proches Superman Returns a en effet plus d’un point positif jouant en sa faveur (j’occulte volontairement dans cette chronique les aspects négatifs et autres petits défauts du film).

Tout d’abord, cela tient à la personnalité et aux qualités de son réalisateur, Bryan Singer (qui a délibérément préféré déserter la pré-production de X-Men 3 pour se lancer dans l’aventure hasardeuse d’un nouveau Superman). Bryan Singer avait déjà bien potassé son sujet avec les mutants de Marvel, et il arrive encore une fois avec ce film à un mariage harmonieux entre personnages de comics et support cinématographique, là où tant d’autres se sont cassé les dents sur la cruciale étape de « l’adaptation » d’un medium à l’autre.
Son sens du storry-telling et de la mise en valeur des personnages compense son manque d’aisance avec un monde qu’il ne connaît finalement de son propre aveu que très peu, celui des super-héros.
Aussi bizarre que cela puisse paraître, c’est peut-être justement là que Singer fait la différence avec d’autres. Quand certains réalisateurs, fans auto-proclamés d’un super-héros, s’enlisent dans les difficultés à extirper leur personnage de son carcan de papier (l’exemple parfait : Mark Steven Johnson sur Daredevil), Bryan Singer sait en retirer le meilleur et le traduire dans un langage et un format nouveaux, ceux du 7^ème art, de l’image en mouvement, du cinéma, bref son mode d’expression à lui ! Et force est de constater que cela lui réussit : il est parvenu à adapter ceux qui semblaient inadaptables au cinéma, les X-Men, aussi n’est-il pas surprenant qu’il ait pu si bien relever le défi de redonner vie à celui que tout le monde avait enterré en même temps que nous quittait son incarnation à l’écran, Christopher Reeve.

Car Bryan Singer a réussi : comme l’annonce le titre du film, Superman est à nouveau là ! Son interprète Brandon Routh, a ce qu’il faut de simplicité, d’humilité et de justesse pour parvenir à s’effacer derrière l’icône et à donner corps sans le dénaturer à un Superman qu’on a l’impression de toujours avoir connu. Un peu comme si ça avait toujours été lui, un peu comme si c’était encore Reeve qui revêtait le costume rouge et bleu…
Et l’autre tête d’affiche, Kevin Spacey, n’est pas en reste dans le rôle de Lex Luthor ! Physiquement en plein dans le personnage, Spacey parvient par son jeu parfait à interpréter un Luthor plus vrai que nature, machiavélique à souhait, à l’esprit génial et à l’ego surdimensionné, non sans un sens de l’humour pince sans rire et nihiliste du meilleur effet.


Mais surtout, ce qui fait la grande force, incontestablement, de ce Superman Returns, ce sont les images, toutes plus belles les unes que les autres. Des effets spéciaux à tomber par terre de réalisme et parfaitement mises en valeur dans les scènes d’action du film. La scène d’ouverture, où l’on voit Krypton disparaître dans l’explosion de son soleil devenu géante rouge puis naine blanche et supernova est superbe, le sauvetage aérien du boeing est à couper le souffle et que dire de la balle de revolver qui vient s’écraser contre la rétine de Superman… énorme !!!
Enfin, enfin on voit un super-héros voler vraiment ! Car quand on voit Superman voler, on n’a aucun doute : c’est tout à fait évident que ce type là vole aussi naturellement que moi je marche. Cela peut paraître bête à dire, mais rien que ça c’est déjà bluffant et terriblement excitant à mes yeux.

Et cerise sur le gâteau, deux clins d’œil aux fans des films de Superman version Reeve sont présents : les images réutilisées de Marlon Brando en Jor-El, père naturel de Superman, qui s’adresse à lui dans son repère glacé, sa forteresse de solitude.
Mais aussi et surtout, la musique, intégralement reprise du film de 1978, signée John Williams. Bryan Singer le dit volontiers lui-même, et je partage pleinement son avis à ce sujet : « la musique de John Williams est si parfaite qu’il était inutile de chercher à en composer une nouvelle ». Et pour cause : quand au début du film le thème si connu de Superman retentit, on est littéralement pris d’un frisson de plaisir et d’enthousiasme, et les images étant à l’avenant de l’émotion musicale, alors que le film commence  à peine on est déjà conquis…
En tout cas, avec moi ça a marché à fond.

Pas de doute : Superman est de retour.

L’été est propice aux films à grand spectacle, ceux qui vous en mettent plein la vue avec pour base commune un budget conséquent et des effets spéciaux dernier cri (l’un découlant souvent de l’autre). Parmi ces films appelés communément blockbusters, on a selon l’envie plusieurs sous-catégories : l’action-movie pur et dur façon L’Arme Fatale ou Die Hard, le film de super-héros qui est en vogue depuis quelques étés, et le film de catastrophes et cataclysmes en tous genres.

C’est à cette dernière famille qu’appartient Poseidon de Wolfgang Petersen, qui n’est autre que le remake du film L’Aventure du Poseidon de Ronald Neame de 1972, avec à l’époque en tête d’affiche Gene Hackman et Ernest Borgnine. A priori on serait tenté de penser que ce film ne s’imposait pas, là où le premier du nom se laisse encore très bien regarder même 30 ans après sa sortie, et surtout après que James Cameron ait réalisé le film de naufrage ultime avec son Titanic, qui s’enlise parfois dans le guimauve avec les frasques de Leonardo DiCaprio mais qui se pose en mètre-étalon absolu pour toutes les scènes d’action et les effets spéciaux mettant en scène le naufrage de « l’insubmersible ».

On peut donc légitimement se demander « à quoi bon aller voir Poseidon ? », et malgré tout à partir du moment où l’on s’installe dans son siège et que le film démarre, on se laisse emporter par ce qui se passe à l’écran et on suit les (més)aventures des héros sans déplaisir.

Le scénario de Poseidon reprend l’argument du film original : lors d’une croisière un luxueux paquebot se voit frapper en pleine nuit de la Saint Sylvestre par une gigantesque vague déferlante qui a pour effet de le retourner, si bien que le bateau se retrouve à flotter à l’envers. Parmi les survivants, un petit nombre d’entre eux entreprennent de remonter les niveaux du paquebot un à un jusqu’à atteindre la coque dans l’espoir d’y trouver une issue vers la surface. La poignée de survivants doit user d’ingéniosité et de courage pour déjouer les pièges que recèle le bateau à la dérive. S’engage alors une course contre la montre entre eux et l’eau dont le niveau monte inexorablement au fur et à mesure que le bateau s’enfonce.


Comme dans tous les films catastrophe, il y a des personnages un peu caricaturaux qui ne seront pas beaucoup plus développés que ce que le permettent les dix premières minutes de présentation pré-naufrage. Et finalement peu importe, là n’est pas l’objet d’un tel film.
Il y a donc en vrac, un playboy joueur de poker dont l’instinct de survie est plus qu’aiguisé (Josh Lucas).
Il y a le môme de service (Jimmy Bennett) et sa jolie maman (Jacinda Barrett) qui ne laisse pas de marbre le joueur de poker qui choisit bien mal son moment pour draguer…
Il y a l’ex-maire de New-York (excusez du peu) et pompier de son état qui incarne à lui tout seul l’héroïsme à l’américaine post-11 septembre à grand renfort de mâchoire carrée (Kurt Russell), ainsi que sa fille (Emmy Rossum) qu’il a du mal à voir grandir et s’afficher avec son petit ami (Mike Vogel).
Il y a un vieux-beau gay qui vient de se faire larguer par son cher et tendre et qui entrevoit le suicide comme une solution à ses problèmes (Richard Dreyfuss).
Il y a le jeune serveur (Freddy Rodriguez) et sa petite amie (Mia Maestro) qu’il fait voyager en passagère clandestine dans sa cabine.
En dehors du petit garçon malicieux et du serveur, les autres personnages n’ont plus grand chose à voir avec les héros du film de 1972. À l’époque le héros qui mène les survivants à la surface était un prêtre qui préférait l’action à la prière et qui était adepte du « Aide-toi et le Seigneur t’aidera » de circonstance. Aujourd’hui, ils sont deux à reprendre le flambeau : le héros pur et dur ex-pompier et le beau gosse individualiste mais dont le bon cœur l’amènera à aider les plus faibles à s’en tirer.

Comme dans tous les films catastrophe, il y a des dangers de plus en plus pressants et les épreuves s’enchaînent sans relâche pour les rescapés. Et comme dans tous les films catastrophe, il y a ceux qui vont s’en sortir et ceux qui vont y rester, ce qui est d’ailleurs toujours l’occasion de prendre des paris et de mesurer vos talents de prédiction à l’imprévisiblité des scénaristes.

Comme dans tous les films catastrophe, il y a des actes héroïques et de bravoure, et puis les lâches qui essaient de s’en sortir coûte que coûte, au détriment des autres s’il le faut. Et enfin, comme dans tous les films catastrophe, il y a une happy-end pour une partie du casting qui s’en sort après de titanesques efforts et sont récupérés par des secouristes qui font leur apparition toujours quelques secondes avant le générique de fin.


Bref, Poseidon est un film de genre parfaitement ancré (jeu de mots) dans sa catégorie, et si on accepte les règles qui régissent le genre, le film de Wolfgang Petersen remplit parfaitement sa mission : de l’action, de l’héroïsme, des effets spéciaux impressionnants et un peu de mélo (mais point trop n’en faut) pour enrober le tout. Le vieux réalisateur allemand démontre qu’il en a encore sous le pied et fait parler son expérience des tournages en milieu marin (il a précédemment dirigé Das Boot en 1981 et En Pleine Tempête en 1999). Il est et reste un technicien de l’image chevronné, et sait mettre en scène ce genre de film à grand spectacle.

Finalement, Poseidon ne souffre pas trop de la comparaison à son illustre prédécesseur, et le cahier des charges est correctement rempli. Il étonne même par deux fois, à travers deux scènes choc dont la présence m’a surpris dans un tel film conçu dans le carcan standardisé des grosses productions hollywoodiennes : le sacrifice violent d’un survivant emporté dans une cage d’ascenseur, et la noyade en gros plan d’un des personnages.

À voir donc pour ce qu’il est : un blockbuster de l’été, avec tous les défauts et qualités que cela suppose, mais qui se révèle être un spectacle réussi. À noter la prestation de mon acteur fétiche, Richard Dreyfuss, qui, même quand sa présence à l’écran est limitée parvient toujours à insuffler beaucoup d’humanité aux personnages qu’il incarne.

Maintenant que vous savez de quoi il s’agit, à vous de juger…

Voici enfin l’adaptation sur grand écran du génialissime comic éponyme de Alan Moore et David Lloyd dont j’ai déjà parlé par ici.
Je dis « enfin », car le film avait été programmé pour la rentrée 2005 avant d’être reporté en avril 2006. Plusieurs rumeurs avaient couru alors sur les raisons pour lesquelles le film avait un tel retard sur la date avancée (alors que le tournage avait tenu les délais), et bien que ce ne fut pas officiellement confirmé (ni infirmé d’ailleurs à ma connaissance), il semblerait que les attentats dans les rues et le métro de Londres avaient mis la Warner en posture délicate. En effet, dans V pour Vendetta, le personnage de V est justement un terroriste, et il fait exploser au cours du film quelques monuments londonien… Préférant ne pas jouer sur la coïncidence de mauvais goût (bien qu’involontaire), les distributeurs auraient donc pris la décision de décaler de quelques mois la sortie de leur film.

Quoi qu’il en soit, V pour Vendetta ouvre donc le bal des adaptations de comics de l’année 2006 (à venir : X-Men 3 et Superman très bientôt). Mais V pour Vendetta n’entre pas dans l’image stéréotypée qu’on peut se faire de loin des comics de super-héros. D’abord parce que le personnage principal n’est pas un super-héros tel qu’on a l’habitude d’en voir. Il porte certes un costume et cache son identité au reste du monde, mais l’analogie s’arrête selon moi là. V est plutôt à rapprocher de personnages tels que le Che par exemple, avec un soupçon de mystère pseudo-fantastique en plus. Est-il totalement humain ? A-t-il des capacités hors normes, des pouvoirs ? On n’a pas vraiment de réponses à ces questions, juste quelques ébauches d’explications, des pistes qui laissent à chacun sa libre-interprétation. Peut-être est-il un humain « génétiquement modifié », ou juste quelqu’un qui sait si bien manipuler son « public » qu’il arrive à paraître « surnaturel » à ses yeux…


Et finalement cela n’a que très peu d’importance. Tout comme sa véritable identité du reste. La question n’est pas « qui est-il ? » mais bien « que veut-il ? ».
C’est là la seconde et principale différence entre V et n’importe quel autre personnage costumé de comics, V est un savant mélange de terroriste (avec tout ce que cela implique : attentats à la bombe et meurtres compris) et de défenseur de la liberté (il est un vrai idéaliste, qui prône l’anarchie pour retrouver le libre-arbitre). Comme si cela ne suffisait pas, Moore fait de son personnage déjà flou quelqu’un qui cherche aussi à régler des comptes personnels avec certains détenteurs du pouvoir. Bien évidemment, dans le contexte de l’histoire, il ne fait pas de doute que les dirigeants de l’Angleterre de ce futur proche sont de vrais dictateurs, détestables au possible. Mais le fait que V mélange son action militante pour la libération du pays à de la vraie vengeance (on apprend au fur et à mesure de l’histoire que V a de quoi en vouloir personnellement à quelques personnages clés du gouvernement en place) entache un tant soit peu son image d’idéaliste pur, et laisse planer un doute sur la personnalité profonde de l’homme derrière le masque.
En tant que symbole d’un idéal, V semble dans son bon droit, mais dès lors qu’on va plus loin dans ses motivations on s’aperçoit également que V n’est pas l’homme parfait qu’on pense au premier abord. Pétri de culture, amoureux de liberté et défenseur de la veuve et de l’orphelin certes, mais il est aussi empli de haine à l’égard de ceux qu’il vise, ce qui quelque part le rapproche étrangement d’eux. Un dialogue entre lui et sa petite protégée Evey permet d’ailleurs de bien s’en rendre compte, et lui-même semble troublé par cette vision des choses : V évoque les monstruosités qu’on lui a fait subir, et Evey lui rétorque que ça l’a lui-même transformé en monstre.

Et Evey ne se trompe pas. Elle souligne très justement que V dans sa volonté d’imposer son utopie est du genre à appliquer la règle de la fin qui justifie les moyens, quitte à passer aux yeux de certains pour un monstre. Evey, au travers de ce qu’elle endure, est d’ailleurs parfaitement placée pour ressentir ce double sentiment contradictoire. L’idée est noble et l’homme est bon, mais ses actes sont parfois très éloignés du « bien » tel qu’on se le représente.
Le paradoxe du personnage de V est d’ailleurs l’une des plus grandes réussites selon moi dans l’œuvre de Moore. De tous les héros qu’il a créés ou fait évoluer dans toutes les séries qu’il a abordées au cours de sa carrière de scénariste (depuis La créature des Marais à la Ligue des Gentlemen Extraordinaires en passant par les Watchmen, Top Ten, Promethea et tant d’autres), V est certainement le plus passionnant, le plus riche et le plus impressionnant.


Pour en revenir plus précisément au film, je dirais que V pour Vendetta est certainement l’une des toutes meilleures adaptations de comics qu’il m’ait été donnée de voir au cinéma. Car le film cumule deux choses qui dans ce genre d’exercice sont très difficiles à obtenir : la fidélité au comic de départ et l’accessibilité et la compréhensibilité parfaite même pour ceux qui ne connaissent pas la BD. Du coup le film s’ouvre la possibilité de plaire à la fois aux fans de l’histoire de Moore et au grand public qui ne soupçonne même pas l’existence de ce dernier.

Il est d’ailleurs étonnant de voir que Alan Moore ait demandé à ne pas être associé au film (il n’est pas crédité au générique en tant que créateur de l’histoire originale, et cela à sa propre demande), alors que ce film rend pourtant vraiment justice au travail de Moore. Il faut très certainement aller chercher la raison profonde dans la brouille qui existe entre le scénariste et DC Comics, la maison d’édition américaine pour laquelle il a beaucoup travaillé et chez qui il a édité d’ailleurs ses best-sellers tels que V for Vendetta ou Watchmen. Ne touchant pas le moindre kopeck de droits d’auteur sur V for Vendetta, et étant donné que Moore est définitivement fâché avec les dirigeants de DC qui les détiennent, il est finalement assez logique de sa part de ne pas vouloir apposer son nom en gage de qualité d’un film sur lequel il ne touchera rien alors qu’il est le créateur de l’histoire d’origine. Et dans le monde du comics, Moore n’a pas besoin de la publicité que pourrait lui rapporter le succès éventuel du film, il est de toute manière et depuis belle lurette considéré comme l’un des meilleurs, si ce n’est le meilleur scénariste de tous les temps.

Du point de vue purement cinématographique, sans être un chef d’œuvre, le film s’en tire très honorablement et le réalisateur James McTeigue, sur lequel beaucoup de monde avait des doutes, prouve que l’adaptation d’un comic tel que V pour Vendetta était non seulement possible mais parvient de plus à bien gérer le potentiel de cette histoire tout en story-telling.
Côté casting également c’est un sans faute. Étonnant de voir que malgré le masque qui cache son visage pendant tout le film, Hugo Weaving parvient à donner une personnalité attachante et complexe au personnage de V. Là où on pouvait légitimement craindre que le costume grandiloquent de V et son langage très soutenu le ridiculise ou le décrédibilise, c’est tout l’inverse. Natalie Portman quant à elle est fabuleuse dans le rôle de Evey Hammond, passant de la fragilité à la force avec autant d’authenticité dans le regard. Un très beau rôle pour la jeune actrice. Il faut également noter le charisme et le jeu de John Hurt en Haut Chancelier Sutler complètement dément, ainsi que de Stephen Rea qui est tout simplement parfait dans le rôle du flic à la poursuite de V (pourtant le rôle n’est pas facile : l’inspecteur Finch est un homme qui fait son devoir un peu contre son gré, mais son manque d’enthousiasme ne grève en rien son intelligence et son instinct d’enquêteur), totalement en conformité avec le personnage de papier.

Bref, V pour Vendetta est la très bonne surprise de cette année, car il est vrai je ne m’attendais pas à ce que le film soit aussi réussi et dans l’esprit de la BD. Que vous connaissiez le comic d’origine ou pas, ce film est vraiment à voir.