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Avant de lire les notes que je fais sur les films que je vois et les bd que je lis, sachez que dans mes commentaires il m'arrive parfois de dévoiler les histoires et les intrigues. Ceci dit pour les comics, je n'en parle que quelques mois après leur publication, ce qui laisse le temps de les lire avant de lire mes chroniques.
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12 avril 2011 2 12 /04 /avril /2011 06:56

Il y a des petits films qui passent relativement inaperçus, et qu’on chope comme ça presque au hasard en regardant le programme télé du soir. Et parfois on tombe sur une petite perle, totalement inattendue. The Invention of Lying, de Ricky Gervais est de ceux là.
Je ne connais quasiment pas Ricky Gervais, je savais juste qu’il est à l’origine de la série britannique The Office (qui a vu une version américaine désopilante avec Steve Carell à sa tête, et même une éphémère –et néanmoins très bonne- version française avec François Berléand dans le rôle principal), et puis tout dernièrement qu’il avait créé la polémique en tant qu’animateur-présentateur de la cérémonie des Golden Globes. À cette occasion il a réussi à se faire détester par un maximum de monde (je parle des vedettes du cinéma) en un minimum de temps, en lâchant vannes sur vannes (des trucs très drôles mais pas toujours très classes) sur les people du tout Hollywood.
C’est donc en quasi néophyte que j’abordais l’œuvre de l’énergumène en question.

293 invention of lying mark greg
Dans The Invention of Lying on suit l’existence d’un type plus qu’ordinaire, Mark Bellison (Ricky Gervais). Bien que contemporain, le monde dans lequel il vit a ceci de particulier que le mensonge et l’hypocrisie n’y existent tout bonnement pas. Chacun dit toujours la vérité et ce qu’il pense sincèrement. Mark n’a pas le physique d’un playboy, un peu grassouillet, pas très beau, il sait qu’il n’a que peu de chance de plaire à la belle Anna McDoogles (Jennifer Garner) dont il est pourtant raide dingue. D’ailleurs cette dernière ne cesse de le lui répéter : il n’est physiquement pas à la hauteur de ses attentes légitimes, contrairement à son rival professionnel Brad Kessler (Rob Lowe). Amoureux éconduit, sa situation va encore dégénérer lorsqu’il se fait renvoyer de son boulot de scénariste pour une société de production de films. Empêtré dans ses soucis financiers, personnels et sentimentaux, une alchimie extraordinaire va s’opérer dans le cerveau de Mark qui va alors avoir une idée aussi saugrenue qu’inédite pour s’en sortir : il va mentir ! Devenu le seul être au monde capable de mentir, il va faire tourner la roue du sort en sa faveur, son entourage étant psychologiquement incapable ne serait-ce que de conceptualiser la notion de mensonge. Cependant Mark n’est pas un mauvais garçon, s’il ment et qu’il en tire de petits bénéfices, il va surtout user de ce tout nouveau stratagème pour essayer de faire du bien autour de lui et rendre les gens heureux. Mais c’est bien connu, l’Enfer lui-même est pavé des meilleures intentions…

Bon, j’en dis un peu plus qu’un simple résumé sur ce film, mais c’est parce que le thème est propice à pas mal de réflexions que j’ai trouvées intéressantes, et auxquelles je ne m’attendais pas du tout dans une petite comédie sans prétention de ce genre. Aussi je risque de spoiler un peu le déroulement du film (sans non plus tout dévoiler), à vous de voir donc si vous voulez lire ce qui suit…

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Dit comme ça, un « monde sans mensonge » ça n’est pas folichon. Mais mis en images par Ricky Gervais, l’idée prend tout son sel et cela devient vite savoureux ! Tout du long du film, Gervais met malicieusement dans la bouche de ses personnages ce que dans la « vraie vie » (la nôtre en somme) on penserait tout bas. Et cela donne des choses percutantes, drôles, inattendues au premier abord mais parfaitement à leur place dans ce contexte du « toute la vérité rien que la vérité ». Car il n’y a pas que le mensonge qui soit banni de ce monde, l’omission l’est tout autant ! Bref, chacun dit aux autres ce qu’il pense d’eux, même si on ne demande rien ! Ainsi quand Mark invite Anna au restaurant, le serveur se présente en précisant d’emblée qu’il est mort de honte de travailler dans un restaurant aussi mauvais, et après s’être enquis des liens de parenté de Mark et Anna (« vous êtes son père ? son frère ? son cousin ? ») lui assène juste avant de prendre leur commande un « laissez tomber vous n’êtes pas à la hauteur » tout ce qu’il y a de plus sincère. Dans le même genre, la pub à la télévision pour une marque de soda bien connue vaut son pesant de cacahouètes…

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D’ailleurs, on peut également s’étonner en premier lieu du métier de Mark. Comment être scénariste pour le cinéma dans un monde où le mensonge n’existe pas ? C’est très simple en fait. Les seuls films produits sont à caractère historique. Et les acteurs sont en fait des conteurs qui lisent des scénarios tout droits sortis des livres d’Histoire, assis dans un fauteuil face caméra (captivant n’est-ce-pas ?).

Mais Ricky Gervais ne se contente pas de son contexte original pour jouer uniquement sur l’humour, il va plus loin, il ose s’aventurer dans d’autres domaines que la comédie pure. C’est tout naturellement qu’il en arrive à la question de la religion… Car dans son récit, puisque le mensonge n’existe pas… la religion n’existe pas non plus ! Bref s’il ne le dit pas expressément il nous laisse clairement imaginer ce qu’il pense de la religion. Et Mark, avec son don du mensonge (et pour élargir un peu, sa capacité à inventer des choses qui n’existent que dans son esprit) va donc tout simplement créer de toute pièce une religion ! Incroyable que ce soit dans une petite œuvre de comédie que je retrouve ma propre conception de la religion : des croyances exploitées et couplées à des règles dictées par des hommes à d’autres hommes, créant entre eux un rapport de pouvoir. Bon, fin de la petite digression sous forme de réflexion personnelle, j’en reviens plus directement au film.

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Ce qui est amusant, c’est de voir comment il va en arriver là, par quel cheminement de pensée les choses vont s’enchaîner, avant de complètement lui échapper. Car encore une fois, tout part d’un bon sentiment : Mark est appelé au chevet de sa mère mourante, et devant la vieille femme apeurée par la mort imminente et l’inconnu du néant, il lui raconte pour la rassurer qu’il y a une vie après la mort, pleine de joie et de bien-être (le paradis chrétien revu et corrigé sauce Gervais). Et la vieille femme, incapable d’imaginer que Mark invente tout cela, le croit bien évidemment, et meurt rassurée, presque heureuse grâce à lui. Tout cela en serait resté là si le personnel de l’hôpital n’avait pas entendu Mark raconter son conte de fée à sa mère mourante. Car eux aussi sont incapables de penser qu’il puisse mentir (le mensonge n’existe tellement pas, que le mot même et sa définition n’existent pas), et bien vite la nouvelle qu’il y a une vie après la mort va se propager et faire les grands titres des journaux du monde entier !

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Alors attention, tout intéressant qu’il est, The Invention of Lying n’est pas dénué de défauts pour autant. En premier lieu, il est beaucoup plus drôle au début que dans sa seconde partie. Il est également assez prévisible en ce qui concerne sa conclusion. Et puis par moment il y a des passages mielleux, limite gnians-gnians qui ne sont pas sans rappeler les comédies sentimentales à l’eau de rose. Sans parler des rapprochements inévitables avec la religion judéo-chrétienne et sa morale bien-pensante du fait de ressemblances parfois un peu trop appuyées, qui auraient pu être évitées.

Mais de manière générale j’ai trouvé ce film enthousiasmant, surtout devant la somme de réflexions qu’il traîne et entraîne dans son sillage. En particulier, l’idée que la vérité, l’honnêteté, la sincérité, qui sont des qualités pourtant unanimement plébiscitées, puissent être aussi le décor d’un véritable enfer sur terre. Gervais s’amuse à le démontrer tout au long du film, quand il fait dire à ses personnages les pires horreurs sous couvert de dire la vérité. Et a contrario, il parvient à démontrer les qualités cachées et insoupçonnées de défauts pourtant caractérisés tels que le mensonge et l’hypocrisie. Vivre en ne disant que la vérité, et surtout en ne cachant rien de ce qu’on pense, dans un monde où tout le monde se comporterait ainsi, le voilà le véritable Enfer… l’auteur aura au moins réussi à démontrer que pour être vivable, la vie doit comporter son lot de mensonges et de non-dits. Bref, il bat en brèche le tout-blanc / tout-noir qu’on a l’habitude de nous servir dès lors qu’on parle de bien, de mal, de morale ou de religion…
À voir.

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23 mars 2011 3 23 /03 /mars /2011 13:48

Vous allez finir par croire que je ne regarde quasiment plus que des adaptations de BD en guise de films. Vous n’aurez pas tout à fait tort. D’ailleurs, dans ma filmothèque il y a une étagère uniquement consacrée à ça.
Oui, je suis le roi du classement de dvd.
Oui, j’ai un système de classement un peu à part.
Non, je n’ai pas toujours bon goût.

Ceci étant dit, j’ai pioché dans mon étagère le blu-ray (parce que oui, il faut se tenir à la pointe du progrès) de la très récente adaptation du comic éponyme de chez DC, Jonah Hex (pas sorti en salle en France, après un bide fracassant aux USA). Du personnage de papier, je n’avais jamais rien lu avant l’année passée quand Panini, fort à propos, a sorti des recueils consacrés au cow-boy défiguré dans sa collection DC Big Books. Jonah Hex c’est un dur de dur, un chasseur de primes qui se promène en tunique grise des sudistes de la guerre de sécession, une moitié de la face complètement refaite au fer rouge et avec pour meilleurs (et seuls) compagnons ses flingues. Jonah Hex c’est une légende de l’Ouest, le type que personne ne veut rencontrer, le beau gosse dont on voit une partie de la mâchoire à travers ce qui lui reste de joue, un tireur d’exception, un bagarreur qui ne craint rien ni personne, un suicidaire au cuir tanné par le soleil et dur comme la pierre. Un type à la morale fluctuante, qui n’a que deux objectifs dans ce qui lui tient lieu de vie : gagner le fric que peut lui ramener un contrat sur la tête d’un fugitif et qu’on lui fiche la paix. Inutile d’essayer de sympathiser avec lui, de l’attendrir ou de le séduire : Jonah Hex n’est ni sympathique, ni sentimental et n’en a rien à cirer du monde qui l’entoure. On peut dire sans trop risquer de se tromper, que Jonah Hex est juste un fou dangereux qui par chance pour la population du grand Ouest américain a décidé de se faire chasseur de primes plutôt que mercenaire.

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Sévèrement secoué, Jonah Hex l’est sans l’ombre d’un doute. À ce titre d’ailleurs il dénote dans le paysage habituel des héros de comics. Impossible de le trouver attachant, impossible de s’y identifier, question sensibilité et humanisme il ferait passer le Punisher pour une fillette pleurnicheuse. Il n’y a objectivement rien pour en faire un héros à proprement parler : ni sa gueule d’amour ni ses motivations et encore moins ses actes. Il est l’incarnation ultime de l’aspect le plus noir du rêve américain : « démerde-toi et fais pas chier ou prends ça dans ta gueule ».

Enfin ça c’est la version comics.

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Parce que forcément, pour le passer sur grand écran, le personnage a été très, très, très édulcoré. D’abord on l’excuse dès le départ d’avoir pêté un boulon en lui faisant subir un traumatisme originel : sa famille est brûlée vive par un foutu salopard pendant la guerre de sécession, et lui se retrouve affreusement défiguré par la même occasion (rien à voir avec ses origines dans le comic).

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Ensuite, Jonah Hex (Josh Brolin) est présenté comme un dur à cuire et un solitaire, mais pas du tout comme un fou sanguinaire. D’ailleurs il se permet même d’entretenir une liaison (gratos) avec Lilah (Megan Fox) une des plus belles prostituées du coin, ce qui prouve bien que tout meurtri qu’il est le garçon garde un cœur (et se tape une bombasse au passage malgré sa gueule en vrac, vous pouvez donc l’admirer chers spectateurs lambda mâles). Et puis comme tout ça n’est pas assez, et que le film est estampillé « adaptation de comics » j’imagine que les scénaristes ont dû se dire que ce serait bien de lui coller aussi un super-pouvoir. Comme ça en plus ça sera l’occasion de placer de jolis effets spéciaux qui en jettent dans le film, c’est toujours ça de pris pour masquer le scénar à deux balles qu’ils ont pondu à côté. Donc Jonah se retrouve affublé du pouvoir de ressusciter les morts quand il les touche (ce serait pas piqué de Pushing Daisies ça par hasard les gars ?), le temps de leur soutirer quelques informations utiles et de les faire encore un peu jongler (car ils revivent l’espace d’un instant mais brûlent de l’intérieur) avant de les renvoyer en enfer définitivement (on appelle ça une double peine non ? enfin on s’en fout ils l’ont bien mérité de toute façon). Bref, tout ça pour montrer un Jonah Hex mandaté par le président des États-Unis d’Amérique en personne pour retrouver et empêcher de nuire l’ignoble Quentin Turnbull (John Malkovich), un renégat qui ne s’est jamais remis de la défaite des états du Sud et est devenu l’ennemi public numéro un.

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Un terroriste cruel (histoire de le rendre encore plus détestable) qui a développé une nouvelle arme de destruction massive (ça vous rappelle des trucs ? pourtant je confirme qu’on est bien sensé être dans un western. Si, si.). Ah et puis ça tombe bien, il se trouve que c’est lui aussi qui a massacré la famille de Jonah et défiguré le cow-boy. Sans compter qu’il a enlevé Lilah l’infâme salaud ! Bref, Jonah Hex va pouvoir se lâcher, et combiner l’utile à l’agréable, puisqu’il est chargé de sauver le monde libre (comprenez les USA) tout en se vengeant d’un méchant qui le mérite bien.


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Bon, mon résumé est certainement un chouïa orienté vers la critique négative, ça n’aura pas échappé à mes lecteurs qui sont fins psychologues. Mais si, mais si, pas de fausse modestie, vous êtes fins, géniaux et intelligents amis lecteurs. Et beaux aussi. Et incroyablement sexy. Non ceci n’est pas du racolage actif, juré. J’admire avec sincérité tous ceux qui me lisent encore !

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Bref, qu’est-ce que je disais… ah oui ! vous aurez donc détecté dans mon ton un brin moqueur que je n’ai pas trouvé le film réalisé par Jimmy Hayward (inconnu au bataillon) très satisfaisant (vous avez vu, la langue de bois je sais faire aussi). Au point que je ne sais pas trop quoi dire d’autre à son sujet. De positif j’entends. Parce que je pourrais aussi préciser que dans le genre western on n’a pas grand chose à se mettre sous la dent, c’est plutôt tourné à la façon film d’action donc les amoureux des films de genre qui font la part belle aux garçons vachers n’y trouveront pas leur compte non plus. Je pourrais également pester sur la frilosité qui habite le film, aussi bien sur le plan de la violence (je m’attendais à quelque chose qui décape de la part d’un film mettant en scène Jonah Hex au lieu de quoi on est en plein pop-corn movie) que du sexe (c’est bien la peine de coller Megan Fox dans le rôle de la fille facile si elle reste aussi prude à l’écran), on passera évidemment sous-silence l’aspect subversif qu’aurait pu avoir le film si on avait un minimum respecté l’esprit du personnage.

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Ah tiens une remarque au passage, vous y croiserez dans le rôle (court) du fils de Turnbull l’acteur Jeffrey Dean Morgan, qui commence lui aussi à se faire une petite collection d’adaptation de comics à l’écran après Watchmen et The Losers. Bon allez, je vais pas être chien, histoire de dire quelque chose de positif sur le film, les effets spéciaux assurent, c’est très joliment fait pour peu qu’on ne soit pas allergique aux effets numériques, ça va sans dire. Oui je sais ça fait léger, mais je fais ce que je peux hein.


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Non bon, en gros ils auraient mieux fait de s’abstenir plutôt que de produire un tel film. Ou au moins l’appeler autrement. Quitte à ne rien garder de la BD Jonah Hex, autant virer le nom aussi, histoire de ne pas ôter l’envie à ceux qui ne le connaissaient pas de le découvrir en comics. Non pas que je sois un fan inconditionnel du comic book, que je trouve pas mal (surtout pour les différents styles graphiques qu’on peut y trouver) sans plus, mais juste par souci d’honnêteté envers le matériau d’origine. Dommage, le potentiel était là pourtant.

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23 février 2011 3 23 /02 /février /2011 08:26

Allez on reste dans les adaptations de BD au cinéma, mais on change de continent. Pour une fois ce n’est pas un comic qu’on retrouve sur grand écran, mais une BD française, Les Petits Ruisseaux (sous-titré sex, drug and rock’n’roll) de Pascal Rabaté, qui a lui-même pris le soin de réaliser le long métrage d’après son roman graphique.

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Alors changement de genre, changement de décor et de style de personnage aussi. Ici pas de super-héros en collants, pas de super-espion en colère, pas de super-soldat en goguette. Non, ici le héros se nomme Émile (Daniel Prévost), septuagénaire veuf et sans permis, qui partage son temps entre les parties de pêche quotidienne avec son ami Edmond (Philippe Nahon) et le petit canon de rouge au Pénalty, le bar-PMU du village, en compagnie de leurs collègues de bistrot. Le temps s’écoule comme les eaux de la Loire, calmement et inexorablement.
Un jour, Edmond avoue à Émile qu’il entretient en secret une vie amoureuse et sexuelle par l’intermédiaire de petites annonces et d’un club de dancing. Il lui montre également son péché mignon : le gaillard aime à peindre des femmes nues pendant ses loisirs (dont il trouve les modèles dans Playboy et consorts…). Quand Edmond meurt, Émile rencontre Lucie (Bulle Ogier) l’amante de son compère. Il lui prend alors des envies de changer son quotidien. Des envies de bouger, des envies d’aimer, des envies de jeunesse… C’est à bord de sa petite voiturette sans permis qu’il va partir à l’aventure…

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Pascal Rabaté reprend ce qu’il avait déjà très bien développé dans sa bande dessinée et le transpose au cinéma. Et ça marche plutôt bien ! Il mélange et alterne avec talent situations cocasses, passages mélancoliques, petits plaisirs savoureux, moments touchants et ceci avec un naturel confondant. Bien entendu, il est grandement aidé dans sa tâche par les comédiens, qui sont tous parfaits dans leurs rôles. Quel bonheur de voir Philippe Nahon sortir de son registre habituel de salopard et de méchant de service ! on se marre bien avec Edmond, il sait vivre le bougre ! et puis les potes de bistrots sont truculents, depuis Gérard (l’inimitable Bruno Lochet) jusqu’au patron de bar (Charles Schneider), en passant par le charcutier et le poissonnier… Côté jeunots on notera surtout Julie-Marie Parmentier dans le rôle de Léna, une jeune hippie que Émile va croiser sur sa route.

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Et puis bien entendu, il y a Daniel Prévost, génial papy qui apprend à revivre des sensations depuis trop longtemps oubliées. À l’extrême opposé du registre dans lequel on a l’habitude de le voir, alors qu’à l’accoutumée il fait le clown et le pitre, toujours dans l’exagération et jouant souvent trop de sa voix unique et de son rire bien spécial, dans le rôle de Émile il est surprenant de calme, de lenteur, de justesse. Il n’en fait ni trop ni pas assez, il est juste excellent. Que ce soit pour aller se baquer à poil dans la rivière, se déhancher sur le dance floor d’un club du troisième âge ou fumer un bédot avec un jeune hippie autour d’un feu de camp, Prévost trouve le ton juste à chaque fois et on ressort du film avec une idée entêtante et le sourire. L’idée, c’est qu’on peut continuer à vivre malgré la vieillesse. Que tant que le corps accepte de bouger pour nous mener où on en a envie, le reste ne dépend que de notre tête.

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Car oui, quand on est vieux on n’attend pas juste de mourir. On a aussi des envies, on rit, on sait s’amuser, on baise, on aime et tant pis pour les tabous. Dans ce film tout est montré simplement, rien n’est caché, on touche à des sujets pas souvent abordés au cinéma tels que le sexe par exemple (je m'entends : le sexe du troisième âge hein) et on se fiche pas mal des conventions morales et esthétiques qui sévissent habituellement dans ce domaine. Sans choquer d’ailleurs, juste avec beaucoup de naturel et de sincérité.

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Émile réapprend l’essentiel alors que la plus grande partie de sa vie est derrière lui, et tout en suivant ses pérégrinations on ne peut s’empêcher de penser que grâce à des films tels que celui-ci, des personnages tels que ceux-là, on a un peu moins peur de vieillir. Ça déplaira peut-être à quelques esprits chagrins qui trouveront toujours à redire, car oui évidemment le réalisateur a choisi de nous montrer une vision positive de la vieillesse, mais c’est un beau film, vecteur d’un beau message, empli de joie et d’optimisme sans pour autant se voiler la face. Oui, vraiment, Les Petits Ruisseaux est un chouette petit film (et j’en ai tout autant pour la BD), drôle, frais et qui fait du bien au moral.

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21 février 2011 1 21 /02 /février /2011 08:37

Il se pourrait bien que prochainement ce blog prenne une coloration plus cinématographique… en effet je lis moins vite que je ne regarde des films. Certes ça fait un moment que je ne suis pas allé au cinéma, mais en ce moment ça y va à la manœuvre entre dvd, bluray, Canal+ : je vois plein de trucs, et pas mal d’intéressants en plus. Ça plus le fait que j’essaie de lire un peu plus de bd aussi, ça me donne moins de temps pour les romans. Les vases communicants quoi.

Enfin bon bref, aujourd’hui : The Losers. En plus ça fera d’un article deux thèmes puisque c’est (encore) une adaptation d’un comic de chez Vertigo (la branche indépendante / adulte de DC Comics).

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J’avais entendu l’annonce de sa version ciné il y a plus d’un an, puis les premiers teasers sont apparus sur le net, et ça laissait présager d’un petit film d’action sympa. Ayant lu entre temps les deux premiers tomes sortis en Big Books chez Panini (le troisième et dernier sort en mars 2011 d’ailleurs) je me disais que ça pourrait le faire sur grand écran.
Alors j’attends la date officielle de sortie et puis rien. Je me dis « bah, ce genre de film ferait un très bon film d’action à sortir en été, c’est sûrement pour ça que les distributeurs attendent encore un peu ». L’été arrive et toujours rien. Enfin non pas exactement rien, puisque sort à cette période une autre adaptation, celle de L’Agence Tous Risques. Dont le scénario de départ est très proche de celui des Losers (du moins c’est ce que j’ai cru comprendre, n’ayant pas encore vu L’Agence Tous Risques pour l’instant). Dès lors pas de mystère : deux films au sujet très proche, l’un qui adapte une série à succès des années 80, l’autre un comic sorti confidentiellement en France. On sait d’avance lequel va s’effacer devant l’autre. C’est donc un peu dépité que j’ai attendu la sortie en Bluray des Losers pour pouvoir enfin le voir.

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Le comic d’origine, écrit par Andy Diggle et dessiné par Jock est franchement réussi. Il met en scène une équipe de soldats d’élite des forces spéciales qui interviennent en sous-main pour le compte de la CIA à l’étranger. Des mercenaires oui, mais pas n’importe lesquels. Des gars qui ont une morale, un sens de l’honneur et de la jugeote. Pas des barbouzes de bas niveau. Pourtant ils vont être envoyés sur une mission qui va mal tourner, et au cours de laquelle l’agence, sous l’influence d’un énigmatique commanditaire qui répond au nom de Max, va tenter de se débarrasser d’eux. Passant pour morts, c’est en ménageant l’effet de surprise que l’équipe des Losers va partir en guerre contre son ancien employeur. Pour rétablir leur honneur et régler les comptes qui restent non-soldés…


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Le film reprend en gros la même trame. Les personnages sont tous bien là. Il y a Clay (Jeffrey Dean Morgan) le chef, Roque (Idris Elba) son bras droit, Pooch (Columbus Short) expert en armes et pilote tête-brûlée, Jensen (Chris Evans) petit génie de l’informatique et de l’intrusion et Cougar (Oscar Jaenada) le tireur d’élite du groupe. Le groupe de mercenaires va trouver en la très belle et très fatale Aisha (Zoe Saldana) une alliée de charme et de choc. Et côté méchant c’est Jason Patric qui interprète un Max tout en froideur dans la folie et la mégalomanie.

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C’est un certain Sylvain White qui réalise, à ma connaissance le type n’a rien de fait de bien transcendant avant ça si j’en crois sa filmographie. Pour autant le film n’est pas mal du tout. Pas trop original certes, vu qu’on sent bien les influences esthétiques et techniques du réalisateur. De belles images assez flashy dans l’ensemble, des mouvements de caméra, des ralentis, des effets qui rappellent tantôt le Watchmen de Zach Snyder tantôt le Wanted de Timur Bekmambetov… le tout servi sur un tempo assez soutenu et moult effets spéciaux et pyrotechniques. Autrement dit si c’est un film d’action bien troussé qu’on est venu voir on en a pour son argent même si il est vrai, ça ne va pas chercher non plus beaucoup plus loin. Le réalisateur ne fait pas dans la grande originalité, mais c’est efficace et plaisant à regarder.
Certaines scènes sont repiquées quasiment telles quelles sur le comic book d’origine, je pense particulièrement à celle, qui plus est très réussie d’ailleurs, où Jensen va voler en duo avec Cougar des données informatiques dans un building très surveillé. Chouette idée et chouette résultat en images, fun et original.

La scène du "pouvoir télékinésique" version comic, puis version ciné :
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Les acteurs quant à eux semblent bien s’amuser et se lâchent, certains en font même des tonnes dans leurs registres respectifs : le cinglé bien cruel et propre sur lui ? Jason Patric. Le ténébreux mal rasé mais bien sapé qui emballe l’air de rien ? Jeffrey Dean Morgan (qui jouait déjà le beau gosse dans Grey’s Anatomy et le gros dur dans Watchmen). La grande gueule avec un sourire plein de dents et des bons mots toutes les deux phrases ? Chris Evans (qui a visiblement déjà commencé à prendre du muscle pour son futur rôle de Captain America). Le latino énigmatique qui ne dit jamais rien mais qui a un œil de lynx ? Oscar Jaenada (que je n’avais jamais vu ailleurs auparavant). La bombasse qui tabasse autant qu’elle aguiche ? Zoe Saldana (qu’on a pris l’habitude de voir en bleu dans Avatar, et qui est vachement mieux au naturel).

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Bref, les personnages sont typés, voire archétypés même, mais dans le feu de l’action ça passe. On sait de suite à qui on a à faire dès le premier coup d’œil, pas la peine de s’attendre à des grandes analyses psychologiques des uns et des autres. C’est certainement le vrai handicap du film si on le compare au comic. Tout y a été largement simplifié, les personnages et leurs motivations (Aisha et Max en tête), et l’intrigue évidemment (développée dans le comic sur trois volumineux tomes et agrémentée de flashbacks qui aident à mieux cerner certains personnages). C’est le lot de bien des adaptations, The Losers n’y échappe pas, loin de là.

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Bon, je ne vais pas jouer au bonimenteur, The Losers version cinéma, ce n’est pas le film de l’année. C’est même certainement un film de genre parmi tant d’autres, qui peine un peu à se démarquer. N’empêche que ce n’est pas un mauvais film du tout, et qu’il se regarde même avec un certain plaisir, en tout cas moi je l’ai pris comme ça. Et un film d’action efficace, ça n’est pas forcément aussi courant qu’on le croit, alors c’est déjà ça de pris.
Mais que ça ne vous empêche pas de lire le comic de Diggle et Jock, il gagne a être connu lui aussi !

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10 février 2011 4 10 /02 /février /2011 07:41

Un film d’action avec Bruce Willis, moi j’ai toujours un a priori positif. Depuis John McClane, j’ai tendance à faire confiance au bonhomme dans ce type de rôles. Ce qui ne m’a pas toujours valu que des bonnes surprises notez bien, mais voilà c’est comme ça.
Une adaptation cinématographique d’un comic-book, ça éveille toujours chez moi si ce n’est de l’intérêt, au minimum de la curiosité.
Donc forcément, une adaptation d’un comic, donnant fortement dans l’action, et avec Bruce Willis dans le rôle principal, voilà une conjoncture d’arguments qui me poussent à jeter un œil à la chose. Je suis donc allé voir Red, assez confiant, curieux de voir comment le comic d’origine, plutôt du genre hard-boiled, allait être transbahuté sur grand écran.

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Alors en terme d’adaptation, oubliez. Les scénaristes ont gardé le pitch de départ, et ont changé tout le reste : l’action, les personnages et le ton n’appartiennent qu’au film. En dehors du crâne chauve de Bruce Willis, vous ne retrouverez rien de commun à ce que vous pourrez lire dans le comic écrit par Warren Ellis (un des tous meilleurs scénaristes de comics de ces 15 dernières années) et dessiné par Cully Hamner (au style assez punchy quoiqu’un peu trop minimaliste par moment –à mon humble avis). Dans Red version comics, Paul Moses est un agent de la CIA à la retraite, sans vie sociale ni familiale, à la limite de l’ermite, dont l’agence décide de se débarrasser (de façon définitive) et qui va rendre coup pour coup, bien décidé à ne pas être le chassé mais le chasseur… C’est froid, violent, brutal, sombre. De l’action pur jus et très premier degré. Pas mal d’ailleurs, quoiqu’un peu court j’ai trouvé. Efficace mais un poil léger par rapport à ce que Warren Ellis est capable de produire par ailleurs.

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Dans Red version cinéma, Franck (exit Paul) Moses (Bruce Willis) est un agent de la CIA à la retraite. Habitué à la solitude et à la discrétion, il fait tout ce qu’il peut pour ne pas éveiller l’attention des gens et son seul lien social consiste en des coups de fils réguliers à Sarah (Mary-Louise Parker), agent de sa caisse d’allocation retraite, avec qui il a développé une étrange amitié-flirt téléphonique. Quand une équipe de tueurs tente de l’éliminer, Franck comprend qu’on cherche à se débarrasser de lui en haut-lieu et passe à l’action. En récupérant sous son aile Sarah qu’il sait en danger à cause de leur relation virtuelle, puis en cherchant de l’aide auprès d’anciens coéquipiers : Joe Matheson (Morgan Freeman) qui attend de mourir de son cancer en maison de retraite, Marvin Boggs (John Malkovich) un sociopathe totalement parano qui vit en reclus persuadé que tout le monde lui en veut et Victoria (Helen Mirren) qui sous ses dehors bien rangés continue à exercer ici et là quelques menus contrats pour garder la forme. L’équipe de retraités aura fort à faire pour se dépêtrer de leurs ennuis, l’agent spécial William Cooper (Karl Urban), jeune, ambitieux et très efficace ne leur rendant pas la vie facile…

285 red cooper
Le tout est traité sur un ton très humoristique (ce qui n’empêche pas de belles scènes d’action) comme le souligne déjà sur l’affiche le sous titre Retraités Extrêmement Dangereux, dont Red est l’acronyme. Les vieux de la vieille vont redoubler de roublardise, de bons mots et d’astuces à la papa pour en remontrer à la nouvelle génération d’agents spéciaux.
Si on accepte l’idée que le comic d’origine ne sert donc que de prête nom et de pitch minimaliste de départ, force est de constater qu’on se retrouve là face à une très bonne comédie d’action qui a plus d’un atout dans son jeu.

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D’abord vous l’aurez constaté par vous même, le casting a de la gueule ! et encore je n’ai pas cité Brian Cox dans le rôle d’un agent russe de la vieille école, Richard Dreyfuss (mon acteur favori entre tous, il faudra un jour que je ponde un article à son sujet tiens) qui joue une pourriture de première, ou encore Julian McMahon et l’éternel Ernest Borgnine. N’en jetez plus la cour est pleine. Rien que pour la brochette de très bons comédiens, le film en vaut la peine. D’autant qu’ils ont l’air de se plaire dans leurs rôles et jouent visiblement en se faisant plaisir. Cox, Malkovich et Dreyfuss semblant même se lancer dans un véritable concours de cabotinage, mais dans le bon sens : ce sera à celui qui en fera le plus sans se décrédibiliser. Et je donne Malkovich gagnant d’une courte tête devant Cox et Dreyfuss au temps de présence moindre. Et puis je craque sur Mary-Louise Parker (je ne peux que dire le plus grand bien de sa série Weeds) : drôle, belle, fraîche, tonique. Je valide. D’ailleurs s’ils en font des doubles j’en prendrais bien une pour moi tiens.
Ensuite la mise en scène de Robert Schwentke (qui ça ? ah ça vous l’a fait aussi … alors j’ai cherché pour vous, on lui doit Flight Plan avec Jodie Foster -pas vu- et il a également officié sur la série Lie To Me -pas vu non plus) sait mettre en avant le jeu d’acteurs, reste tout à fait lisible dès qu’on passe à l’action et ménage un rythme agréable tout du long du métrage. Bref sans faire d’étincelles la réalisation est efficace. Efficacité doublée grâce à un scénario original et décontracté et des comédiens au diapason.

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Voilà, je ne sais pas trop quoi ajouter à cela, ça parle tout seul. Sans casser des briques, alors que je ne m’attendais pas du tout à ce que j’ai vu sur grand écran, un adjectif me vient tout naturellement pour qualifier ce film : bien sympa. Alors tant pis pour le détournement du matériau de base (qui n’a rien d’un comic d’une qualité extraordinaire non plus, faut bien le reconnaître), devant Red on se marre bien et on passe un bon moment de détente.

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31 janvier 2011 1 31 /01 /janvier /2011 08:22

Voilà un film à l’origine pas banale.
Il y a quelques années, Quentin Tarantino et Robert Rodriguez s’étaient acoquinés pour produire Grindhouse : l’association de deux longs métrages (Planète Terreur  plutôt réussi par Rodriguez et Boulevard de la Mort, certainement le film le plus mollasson de Tarantino). Entre les deux (en France les deux films – assez courts - sont sortis individuellement, alors qu’au départ le concept était d’en faire une seule et même séance), il y avait également de « fausses bandes annonces » sous forme de bons gros délires, dont celle mettant en scène un Danny Trejo survolté dans un rôle tout à sa mesure : Machete. Autant dire que ça découpait sévère.
Pour être parfaitement honnête, de tout le programme Grindhouse, la BA de Machete était certainement ce qu’on pouvait y trouver de plus enthousiasmant et de plus pêchu. Ce qui n’échappa pas à Robert Rodriguez, qui devant l’engouement des spectateurs s’est mis en tête d’en faire un vrai film de cette fausse bande annonce. Et quelques années plus tard, voici donc Machete

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Le dit Machete (Danny Trejo donc, une des gueules les plus burinées et cassées des séries B américaines de ces quinze dernières années) est un agent fédéral du Mexique. Si si, sans déconner. Je sais, ça se devine pas au premier coup d'oeil... Sa réputation est celle d’un incorruptible et surtout d’un flic sans pitié. Il se retrouve souvent seul contre les truands mais aussi les flics ripoux de son entourage. En s’attaquant au parrain local Torrez (Steven Seagal) il va tout perdre, le mafieux le laissant pour mort après avoir tué sa femme. Quelques années plus tard (ne demandez pas comment ni pourquoi, ça fait partie des mystères scénaristiques du film) il se retrouve au Texas, où il est embarqué dans une sombre affaire d’assassinat politique dont la victime n’est autre que le sénateur  McLaughlin (Robert De Niro). Le prenant pour le bouc émissaire idéal, les commanditaires de cette arnaque ne savent pas à qui ils ont à faire ! Machete va reprendre du service pour prouver son innocence et faire payer les vrais coupables, naviguant entre les ordures de la pire espèce, depuis le roublard Benz (Jeff Fahey) jusqu’à l’inquiétant garde frontière Stillman (Don Johnson), tout en ayant la police de l’immigration sur le dos en la personne de la belle Sartana (Jessica Alba). Mais Machete a aussi des alliés, dont son propre frère (ça tombe bien, il crèche à côté si j'ose dire) qui est un Padre pas banal (Cheech Marin) et la sexy révolutionnaire Luz (Michelle Rodiguez) une sorte de Che au féminin (qui en plus tient une barraque à frites, le bonheur des yeux et de l'estomac en quelque sorte) …

283 machete luz
Bon disons-le simplement, c’est du grand n’importe quoi, du début à la fin. Personnages ultra-caricaturaux, situations rocambolesques, péripéties improbables, motivations nébuleuses, Rodriguez passe en revue tous ses fantasmes de gamin décérébré et les mets en images pour son plus grand plaisir. Alors dans le tas il y a de bonnes choses. Le Padre adepte des armes et du chichon façon barreau de chaise, c’est fendard. Les coups de machette qui découpent bras et têtes dans une belle chorégraphie bourrine, c’est sympatoche. Revoir enfin sur grand écran Steven Seagal alias Saumon Agile dans un rôle de gros, pardon, grand méchant qui s’écoute causer ça fait partie des bonnes surprises du film. Et puis Machete juché sur sa Harley, projeté dans les airs sous l’effet d’une énorme explosion tout en canardant joyeusement ses ennemis de sa grosse pétoire, ou encore Machete dans une piscine avec deux bonnasses (en l’occurrence la fille et la femme de Benz, Lindsay Lohan et Alicia Rachel Marek) totalement nues qui en veulent à sa puissante virilité, sont deux scènes totalement icôniques et cultes dans lesquelles cette vieille trogne de Danny Trejo prend visiblement son pied et qui justifieraient presque à elles seules tout le reste du film.

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Mais bon voilà, tout ça manque cruellement d’intérêt et de liant. C’est bien plus que de la série B, on nage en plein Z, en plein nanard, chose qui soit dit en passant est parfaitement recherchée et revendiquée comme telle par le réalisateur et les acteurs. Ce qui est plutôt louable en fait, en tout cas pour moi ça part clairement d’un bon sentiment ! j’ai toujours été un grand sensible à toutes ces zèderies qui mélangent allègrement humour limite et action à gogo (quel bon goût j’ai, n’est-ce pas ?). Sauf que là où ça me dérange pour ce film précisément, c’est qu’on sent que le truc est bourré de thunes, déborde d’effets spéciaux qui coûtent la peau des roubignolles, bref que le film est tout sauf fauché. Or, ce qui fait aussi le charme de ces zèderies sans nom la plupart du temps, c’est qu’on sent que c’est fait avec l’énergie du désespoir, la débrouille du type qui n’a rien d’autre qu’un fumigène et deux pétards pour montrer une explosion nucléaire, l’amour du genre qui fait que le réalisateur préfèrera se sectionner une couille plutôt que de couper une scène pourrave mais à laquelle il croit. Enfin à mes yeux hein.

283 machete saumon agile
Et c’est là que ça coince avec Machete. Machete c’est le jouet d’un enfant gâté du cinéma à qui on a dit « lâche-toi, dépense tout et fais nous marrer » et qui du coup se sent contraint à une obligation de résultat. D’où un palpable manque… d’âme, bien que quelques bonnes idées et scènes réussies parviennent ça et là à donner le change. Et ça se sent même avec les stars qui viennent cabotiner, De Niro et Don Johnson en tête : on dirait qu’elles n’attendaient que ça, qu’un réalisateur leur file un truc bien trash où ils pourraient péter un câble en direct et un peu sortir de leur image figée de star intronisée de Hollywood. Sauf que du trash sur commande c’est un peu comme le Canada Dry, ça a le goût, ça a la couleur… mais c’est pas du vrai trash. Tiens ça me fait penser, ça existe encore le Canada Dry ?


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1 décembre 2010 3 01 /12 /décembre /2010 07:42

Les films se suivent et ne se ressemblent pas (du tout). Après mon incursion en terre cinématographique québécoise, qui visiblement en a refroidi plus d’un (si j’en crois les commentaires, blog et hors-blog), retour en une contrée plus chaude, pour une comédie qui m’a bien fait marrer. Direction la Californie. Direction Hollywood. Où quoi qu’on en dise, on sait faire des trucs bien, aussi.

280 date limite ethan juliette
Dans Date Limite de Todd Phillips on suit un couple de personnages improbables. D’un côté on a Peter Highman (Robert “la classe” Downey Jr), un type bien sous tous rapports, dont la femme Christine (Michelle Monaghan) est sur le point d’accoucher. Peter qui est à Atlanta s’apprête à rejoindre son épouse pour assister à la naissance de leur premier enfant. De l’autre on a Ethan Tremblay (Zach Galifianakis), un jeune acteur qui veut tenter sa chance à Hollywood et voyage avec son chien et les cendres de son père. Peter et Ethan se rencontrent à l’aéroport au départ d’Atlanta. Dès lors le destin de Peter est scellé. Car Ethan est tout sauf monsieur tout le monde. Un peu excentrique, complètement dans son monde mais foncièrement gentil, il va entraîner Peter de péripéties en catastrophes… à commencer par écoper tous deux d’une interdiction de vol à vie. Sans bagages, sans papiers et sans argent (qui sont restés dans l’avion, eux), Peter est contraint d’accepter l’offre d’Ethan de se rendre à Los Angeles par la route. Les deux hommes traversent donc le pays d’Est en Ouest au volant d’une voiture de location. Ce n’est que le début du long calvaire de Peter…

280 date limite ethan peter2 

Peter : Je méprise ce que tu es à un niveau moléculaire !
Ethan : C’est une chose qu’on m’a déjà dite et je fais des efforts pour m’améliorer.



Bon on tape dans la grosse comédie là. Attention, je dis « grosse comédie » mais ça n’est absolument pas péjoratif ici. Tous ceux qui ont vu Very Bad Trip (du même réalisateur d’ailleurs) connaissent et reconnaissent Zach Galifianakis au nom immémorisable (oui j’invente des mots) mais à la dégaine reconnaissable entre toutes. Et il joue ici aussi dans le même registre de personnage, à savoir le mec totalement allumé et qui enchaîne gaffe sur gaffe. Un Pierre Richard des temps modernes, barbe florissante et bide assumé en prime. D’ailleurs le rapprochement avec des bons vieux films franchouillards comme La Chèvre ou Les Compères, où un type normal contraint de voyager avec un poissard de première subit déboires sur déboires, n’est pas du tout hors de propos. Sauf qu’ici c’est fait en 2010, avec les délires scénaristiques d’aujourd’hui et les moyens d’une comédie à gros budget américaine. Bref, en dix fois plus gros et plus exagéré. Ce qui n’empêche pas le film d’être très drôle du reste. Le concept du « toujours plus » n’étant pas forcément une mauvaise chose entre les mains de bons scénaristes. Et ici, les gars aux manettes connaissent leurs gammes. Ou peut-être est-ce encore une fois moi qui suis bon client. C’est pas exclu. D’autant plus que j’ai pu lire beaucoup de mauvaises critiques en surfant sur le web à propos de ce film…

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En tout cas on retrouve le même type de schéma d’ensemble qu’on a pu voir dans Very Bad Trip que je citais plus haut. Autrement dit : pas de répit, on passe d’une scène drôle et inattendue à une autre sans cesse. Avec tout juste quelques petites touches de sérieux (oh pas plus de 30 secondes d’affilée hein) histoire de rendre le personnage de Ethan attendrissant et pas uniquement loufoque. Avant de replonger encore plus fort dans le délire. D’ailleurs, bien que j’adore Robert Downey Jr, la star du film est évidemment Zach Galifianakis qui porte à lui seul toute la force humoristique du film. Avec Very Bad Trip 2 qui est en cours de tournage, le barbu risque de vite cramer son personnage délirant et sans gêne par trop d’exposition. Mais pour l’instant on n’en est pas encore à l’overdose, donc moi je veux bien en reprendre un peu tiens. Histoire de se faire chatouiller les zygomatiques et de se prendre une bonne bouffée de grand n’importe quoi hilarant. Allez voir Date Limite et marrez-vous.

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17 novembre 2010 3 17 /11 /novembre /2010 15:21

Il m’arrive souvent de faire un tour dans les rayons dvd de grands magasins, et de laisser mon regard vagabonder de jaquette en jaquette, pour parfois me laisser accrocher par l’une d’entre elles. Par un titre, une image, un design, une compo graphique, un thème, un nom d’acteur… je ne parle pas des blockbusters hollywoodiens, des films avec un budget promotion équivalant au budget total de films plus modestes. Je parle de trucs moins connus, de séries B, voire Z, de films indépendants, pour la plupart d’entre eux des direct-to-video. Et de temps à autres, je me laisse tenter par quelque chose qui m’inspire.

J’avais donc vu le dvd des 7 jours du Talion et ça m’avait intrigué. Imaginez : film québécois, pas un nom connu à l’affiche, jaquette rose sale et thème trash.
En effet, l’histoire ne fait pas dans la dentelle. Une petite fille est enlevée sur le chemin de l’école. Elle est retrouvée peu après morte, son corps ayant subi des sévices sexuels évidents. Le coupable (Martin Dubreuil) est assez vite arrêté, le pédophile assassin n’en est pas à sa première victime. Fou de chagrin et de douleur, le père (Claude Legault) de la petite fille, chirurgien de profession, décide d’agir et de se venger. Il parvient à enlever le meurtrier de sa fille pendant son transfert et l’emmène dans un coin perdu qu’il a préparé à cet effet. Son projet est de le garder vivant sept jours durant lesquels il va le torturer pour l’achever le jour de l’anniversaire de son enfant avant de lui-même se rendre aux forces de l’ordre. L’inspecteur chargé de l’enquête (Rémy Girard), bien qu’ayant connu un deuil assez similaire quelques mois auparavant (sa femme a été abattue à bout portant lors d’un braquage, et le policier se passe en boucle la vidéo de la caméra de surveillance du magasin jour après jour), va tout mettre en oeuvre pour retrouver le médecin avant que celui-ci ne commette l’irréparable.

278 sept jours talion legault malette
Ce film est d’une dureté et d’une froideur assez poussées. Adapté du roman de Patrick Senécal, il traite de la vengeance et nous pousse à réfléchir à la portée de ce sentiment si humain et animal à la fois. Et pour ce faire, le réalisateur Daniel Grou nous plonge dans une ambiance glaçante, bannissant toute musique du film, restant au plus proche de la douleur d’un homme a priori normal qui va libérer une rage et une haine sans limite dans la réalisation de sa vindicte. Cependant on est loin, très loin de l’apologie de la vengeance, de l’œil pour œil, de la violence, et c’est ce qui fait de ce film un objet à la fois traumatisant et extrêmement intéressant, car il met le spectateur en face de ses propres démons. On ne peut s’empêcher de s’identifier au père qui perd son enfant. On ressent sa douleur intense, les images de sa fille retrouvée dans un terrain vague vous soulevant le cœur. On ressent sa rage face à l’assassin qui affiche en plus de cela une suffisance insupportable, et qui n’exprime pas le moindre remord pour ses actes. On a envie que ce type horrible ait mal, et on est pris soi-même dans la spirale de la vengeance. On la comprend, on la justifie, on la trouve normale. En tout cas dans sa théorie, mais dès lors qu’on entre dans son expression physique, traitée à l’écran de façon crue et sans concession, les choses évoluent, on se remet en question. Le film a ceci de subtilement humain qu’il ne prend pas formellement position, il montre les choses froidement et laisse à chacun le soin de juger, de mesurer ses propres limites dans la colère, dans la violence, dans la barbarie. Car pour moi c’est ainsi que je l’ai ressenti ce film. On bascule à un moment donné dans un monde de barbarie pure, où l’on finit par se demander si la vengeance qu’on cautionnait au départ suffit encore à justifier des actes d’une violence et d’une perversion extrême. Bien qu’après coup on devine la position morale du réalisateur, celui-ci a la pudeur et l’intelligence de laisser chacun faire son propre chemin, sa propre réflexion, et surtout son propre jugement. Il n’y a pas de morale imposée à la fin, de réponse claire au problème, il n’y a que des actes, leurs conséquences crues et le traumatisme qu’engendre de telles situations. À chacun d’y trouver sa propre place, son propre positionnement.

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Oubliez le traitement habituel réservé aux actes de vengeances comme on peut souvent en voir dans le cinéma américain. Ici on n’est pas face à un Inspecteur Harry, un Paul Kersey ou un Franck Castle d’opérette. Le crime est horrible, la vengeance l’est tout autant et la question est : ce tueur doit-il souffrir au-delà de toute limite ou non pour ce qu’il a fait ?
Le film est dur à regarder. En tout cas il l’a été pour moi. Pourtant la violence à l’écran ne m’a jamais fait peur, la bidoche, le sang, la torture, les images choc j’en ai bouffé. Mais là, ce ne sont pas les images qui m’ont heurté, c’est très clairement le climat psychologique. C’est ça qui m’a bousculé, mis très mal à l’aise et complètement lessivé. Est-ce parce que je suis papa aujourd’hui que les images de ce père qui retrouve le corps sans vie de son enfant m’a fait autant mal, je ne saurais pas le dire exactement, mais j’ai trouvé ces images d’une violence extrême. Et la douleur du père ne le quitte plus de tout le film. Même pendant les scènes de torture, même pendant l’exécution de sa vengeance, il est au bord de la rupture. Il ne parle jamais à l’assassin de son enfant, il reste parfaitement muet dès qu’il se retrouve en sa présence, ce qui rend le tout encore plus glaçant mais qui trahit également le talon d’Achille du persécuteur : parler à sa victime pourrait lui faire perdre sa conviction. En se taisant, en refusant d’entamer un dialogue il le garde à distance, lui refusant de le considérer comme un être humain. Car le père vengeur est médecin, il sauve des vies en temps normal, alors que là il détruit méthodiquement un corps, tout en prenant garde à bien le maintenir en vie et conscient. Plus le temps passe d’ailleurs, plus le médecin est obligé de s’abrutir d’alcool pour accomplir sa tâche, ce qui est bien entendu symptomatique de son dilemme intérieur.

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Évidemment en regardant ce film, au-delà de l’aspect « torture », on ne peut s’empêcher de penser à la peine de mort également. On entend souvent dire que la peine de mort devrait être rétablie pour les assassins d’enfants par exemple, certainement l’un des crimes les plus affreux qui puisse exister, si tant est qu’on puisse hiérarchiser l’horreur. Là on est en plein dans le cas. L’auteur va même plus loin, puisque l’un des arguments phares des anti-peine capitale est évacué d’entrée de jeu : la culpabilité de l’accusé ne fait aucun doute. C’est son sperme qu’on a retrouvé sur l’enfant violée. Et il revendique lui-même ses actes, allant jusqu’à s’en vanter en les racontant, provoquant encore un peu plus notre dégoût. Bref, l’ignominie est avérée et montrée, le coupable est un monstre, … dès lors les choses sont moins simples qu’elles n’y paraissent. Moi qui suis opposé par principe à la peine de mort, j’ai pourtant ressenti et compris le désir de vengeance du père de l’enfant (en ce sens, l’objectif du réalisateur a été parfaitement atteint je pense). Entre la théorie qui concerne les autres et le cas pratique qui vous touche vous, on est bien obligé d’admettre que les conclusions varient, les sentiments l’emportent souvent sur la réflexion. C’est ce que ce film met en lumière. Et ça ne laisse pas intact.

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Pour être franc, je ne crois pas qu’on puisse dire des 7 jours du Talion qu’on aime ce film. Parce qu’il remue et qu’il dérange pour peu qu’on y réfléchisse cinq minutes. Mais c’est un vrai bon film, c’est indiscutable. Cependant je le déconseille fortement aux âmes sensibles, certaines images, mais surtout certaines situations sont vraiment difficiles à supporter. C’est un film intéressant mais exigeant. Et puis un dernier conseil si vous voulez vous y frotter : ne le visionnez pas en version originale. J’ai testé après l’avoir vu en version française, et je dois dire que l’accent québécois n’est pas indiqué du tout pour un français qui veut voir ce film. D’abord on pige à peine la moitié de ce qui se dit, mais surtout ça sabre une partie de l’effet dramatique. C’est très con je sais bien, mais l’accent québécois a trop souvent pour le français moyen (dont je suis) une connotation involontairement comique qui ne sied pas du tout à ce type de film.

À voir donc, si vous avez le cœur bien accroché et si vous avez envie de réfléchir à ce genre de questions morales. À éviter si vous n’avez pas le moral !

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8 novembre 2010 1 08 /11 /novembre /2010 09:31

J’ai pris pour habitude de ne plus prendre pour argent comptant ce qu’on nous montre dans les bandes annonces de films. Trop souvent on n’y voit que les meilleurs morceaux, ou surtout quand il s’agit d’une comédie les extraits les plus drôles, et puis le reste du film ne s’avère pas à la hauteur. C’est donc curieux mais avec cette retenue en tête que je suis allé voir Les Petits Mouchoirs de Guillaume Canet (qui se contente de réaliser mais n’y joue pas). Parce que justement, la bande annonce de ce film m’avait beaucoup plu. Les risques étaient donc d’autant plus grands d’être déçu du résultat final. Eh bien j’avais tout faux, et je suis bien content que ce film m’ait fait mentir et soit venu battre en brèche mon a priori négatif sur les bandes annonces trop alléchantes.

Parce que le film est bon. Très bon même.
L’histoire met en scène un groupe d’amis, la plupart trentenaires, certains célibataires endurcis, certains mariés, d’autres entre deux histoires d’amour. Tout commence avec l’accident de la route de l’un d’entre eux, Ludo (Jean Dujardin), juste avant leurs traditionnelles vacances en groupe au bord de la mer. Bien que très atteints par ce qui arrive à Ludo, ses amis décident de partir malgré tout pour quelques jours, invités comme d’habitude dans la maison de vacances de Max (François Cluzet), l’aîné de la troupe et celui qui est aussi matériellement l’un des plus aisés. Il y a dans ce groupe hétéroclite Vincent (Benoît Magimel), un kiné père de famille qui traverse un bouleversement sentimental qui le ronge et menace de remettre en question toute sa vie, Marie (Marion Cotillard) la fille indépendante et un peu garçon manqué dont tous les mecs sont plus ou moins amoureux, Éric (Gilles Lellouche) le comédien qui n’arrive pas à percer mais collectionne les aventures, Antoine (Laurent Lafitte) le lourdingue un peu paumé depuis que sa nana l’a quitté (Anne Marivin dans le rôle de Juliette), et les femmes de Max et Vincent (Valérie Bonneton et Pascale Arbillot) parfaitement intégrées à ce groupe de potes.
Durant leurs vacances, les états d’âmes des uns et des autres vont prendre le pas sur la bonne entente générale. Les secrets, les mensonges, les non-dits, les culpabilités, les regrets, les tensions vont resurgir et remettre en question leur amitié.

276 petits mouchoirs vincent
Voilà le résumé l’indique clairement : c’est un film de potes. Le thème principal sont les relations humaines de toutes sortes au sein d’un groupe qui existe depuis longtemps, depuis l’amitié jusqu’à l’amour, en passant par le sexe et la tendresse. Un film sur des potes, fait visiblement par des potes. En tout cas l’ambiance que reflète le film transpire tellement de l’écran qu’on ne peut pas s’imaginer que dans la vie, ces hommes et ses femmes ne soient pas réellement amis. Et c’est quasiment inévitable pour un film de potes, on tient là aussi un film générationnel. Je pense sincèrement que Les Petits Mouchoirs parlera et touchera immanquablement quiconque a aujourd’hui entre 30 et 45 ans. Ou alors vous n’avez pas d’amis et vous avez vécu dans une autre dimension les gars, c’est pas possible autrement. Les références, les discussions, l’ambiance générale mi-adulte mi-ado, les dialogues, l’humour, tout ancre profondément le film dans ce creuset générationnel. Pour ma part j’ai retrouvé des tonnes de clins d’œil et de références à ma propre vie, à ma propre expérience de l’amitié, de l’existence. Et comme je fonctionne énormément à l’identification en ce qui concerne le cinéma, j’ai été happé par le film. Intégré directement au sein du groupe. C’est exactement comme si j’en avais fait partie tant tout cela m’a paru normal, spontané, naturel et proche de ce que je connais ou ai pu connaître.

276 petits mouchoirs antoine eric marie
Autant dire que si le film m’a plu, c’est justement parce qu’il m’a parlé de choses et de situations familières. J’ai retrouvé un esprit que je connaissais, un humour que j’aime et que j’essaie de pratiquer, une tendresse particulière dans les relations amicales où l’on se charrie autant qu’on s’aime. Certainement aussi fais-je encore partie de cette génération qui a du mal à se départir de l’idée belle et un peu naïve que l’amitié est l’une des valeurs supérieures dans la vie. Et Guillaume Canet parle de tout cela dans son film avec un tel talent, un tel naturel et une telle sincérité que moi j’ai été conquis dès le départ. D’ailleurs c’est bien simple, malgré les 2h30 du métrage, j’étais tout étonné à la fin du film tant le temps m’avait semblé court, je pensais qu’il restait encore au moins une bonne demi-heure alors que c’était déjà terminé…

276 petits mouchoirs max eric ludo
Si le film a une force principale, au-delà du scénario, au-delà de l’humour et du ton mi-potache mi-dramatique, c’est son casting.
Canet s’appuie sur une brochette de comédiens exceptionnels, tous portés par leurs rôles. Et là encore le phénomène de groupe agit. La qualité du film va bien au-delà de la somme des talents individuels des acteurs. Comme si chacun tirait et poussait l’autre vers le haut. Ça se complète, ça s’émule, ça se bonnifie.
Si je ne devais parler que de l’un d’eux, je serais obligé de citer François Cluzet, complètement halluciné et hallucinant dans le rôle du type qui veut tout contrôler et qui ne maîtrise rien. Que ce soit à la chasse à la fouine, en bateau envasé, ou en gestionnaire de pelouse il est à mourir de rire. Et sa relation avec le personnage de Benoît Magimel (excellent lui aussi en parfait équilibriste entre drame personnel et ridicule fleur bleue) est un des sommets du film.

276 petits mouchoirs vincent max
Comme je le disais plus haut, tous les comédiens sont très bons, mais il me faut rendre hommage à Marion Cotillard. Pas plus tard que dans mon billet sur Inception, je disais que je n’apprécie que très peu cette actrice, tout particulièrement parce que dans tous ses films je vois « Marion Cotillard qui joue » plutôt que le personnage qu’elle interprète. Mais dans Les Petits Mouchoirs, elle m’a stupéfait. Dans le rôle de Marie elle d’une justesse et d’une sensibilité vraiment remarquables. Deux scènes bien précises la mettant en avant me reviennent en tête, et les deux m’ont beaucoup marqué au cours du film. La première c’est une virée en mer durant laquelle chacun à tour de rôle s’accroche à une bouée géante tirée par le bateau. Évidemment quand c’est le tour de la fille du groupe d’y aller, les mecs aux commandes mettent le paquet et la brinqueballent dans tous les sens. Marie se met alors dans une colère noire, hurlant, criant, insultant ses amis, prête à en venir aux mains, elle leur en veut clairement à mort. J’avais rarement vu quelqu’un jouer la colère avec autant de persuasion ! La seconde scène est beaucoup plus intimiste. Marie est dans sa chambre le soir, Éric la rejoint, prend place à côté d’elle sur le lit, lui ôte délicatement la cigarette de sa bouche, et lui pose une main sur le ventre. À ce moment elle fond en larmes, toute la scène se déroulant sans que le moindre mot ne soit prononcé. C’est simple, c’est très fort et ça m’a vraiment touché tant on ressent toute la douleur et la détresse de Marie à travers le jeu de Marion Cotillard. Donc voilà je lui dois bien ça après avoir mis son talent en doute par ailleurs, je le dis officiellement, Marion Cotillard sait jouer la comédie et elle est même sacrément douée la bougresse.

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Bref, je cite ces quelques passages du film, mais en vérité j’aurais pu en citer encore beaucoup d’autres. La fin en particulier m’aura rappelé un certain nombre de souvenirs enfouis depuis longtemps, non sans me tirer une petite larmichette au passage.

Et puis je me permets une autre petite digression sous la forme d’un conseil : si vous avez aimé Les Petits Mouchoirs, jetez un œil sur la BD Petites Éclipses à laquelle le film m’a furieusement fait penser. C’est de Jim et Fane, c’est un roman graphique à la fois drôle et sensible et qui parle lui aussi d’un groupe d’amis de longue date qui partent en vacances ensemble. Et pour les connaisseurs ne vous fiez pas aux noms des auteurs (Jim scénarise entre autres des BDs "d'humour" comme Tous les défauts des filles, des mecs, etc..., Fane a dessiné la Joe Bar Team), car cette BD n’a strictement rien à voir avec leurs registres habituels. Fin de la digression phylactérienne.

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J’en reviens donc à ce que je voulais vous dire du film de Guillaume Canet : Les Petits Mouchoirs c’est excellent, allez le voir !!!

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27 septembre 2010 1 27 /09 /septembre /2010 10:31

Dans la liste interminable de mes défauts, il y a au chapitre cinéma, page 43, paragraphe 4, 1ère ligne : adore les films de Claude Lelouch.

Voilà.
La vache ça soulage de faire son coming out.

Ben non, je n’ai aucune circonstance atténuante, pas la moindre excuse, je ne peux même pas dire que je ne savais pas qu’il n’est plus de bon ton d’aimer Lelouch (il fut un temps où c’était tendance, et puis le temps passe et la mode trépasse).
Je suis très loin d’avoir vu tous ses films (il doit avoir dépassé la trentaine d’opus au compteur, dont un bon nombre plus vieux que moi…) et je suis bien déterminé à tout doucement réduire mon inculture lelouchienne, mais tout ce que j’ai vu de lui m’a plu. À des degrés divers il faut bien le dire, mais quand même, le bonhomme me cueille à chaque fois. J’ai beau avoir conscience de ses trucs, de ses tics, de ses tocs, je me fais toujours avoir par son talent de conteur. Bien évidemment il y a ses grands succès comme L’Aventure c’est l’Aventure ou Itinéraire d’un Enfant Gâté qui sont pour moi des incontournables. Mais il y en a de moins connus que j’aime tout particulièrement. Je citerai pour exemple Hasards ou Coïncidences, ou encore le plus récent Roman de Gare. Et puis pour que les derniers allergiques d’entre vous finissent de s’étrangler je vais vous donner le titre de mon petit préféré, celui que j’ai vu et revu, et qui à chaque fois me file la banane : Hommes-Femmes, Mode d’Emploi. Oui, oui, le film avec Bernard Tapie, exactement. Ça va, vous surmontez le choc ?

Évidemment quand le nouveau film de Lelouch sort et qu’en plus la salle de ciné à côté du bureau le programme entre midi et deux, je ne pouvais passer outre l’invitation tacite.
C’est ainsi que j’ai vu le jour de sa sortie (je guettais moi ?) Ces Amours-Là.
Et je m’en vais vous en toucher deux mots. Ou pas, si vous avez déjà fermé votre navigateur.

269 ces amours la dana couson
Alors comme d’habitude, les films de Lelouch, c’est pas une sinécure à résumer. Le mot « pitch » n’existe pas dans le vocabulaire du réalisateur (et ce n’est pas moi qui lui lancerai la pierre, Pierre). Je vais tenter quand même. Je préviens de suite, il y aura des omissions, des manques et des oublis pas toujours volontaires, n’y cherchez aucune exhaustivité.
Dans Ces Amours-Là on suit le destin de deux personnages principaux. Une femme et un homme. On survole la vie de leurs parents, pour mieux comprendre où ils en sont et comment ils en sont arrivés là quand on commence à les suivre, c’est-à-dire en pleine occupation allemande de Paris pendant la seconde guerre mondiale. La femme c’est Ilva (Audrey Dana), une jeune et belle ouvreuse de cinéma pour qui l’amour est une seconde nature. Elle tombe facilement amoureuse Ilva, elle tombe souvent amoureuse Ilva, mais c’est toujours avec une force et une sincérité profondes. Le film retrace ces amours-là, qui émailleront sa vie et feront de son existence une succession de belles histoires qui chacune efface les mauvais souvenirs de la précédente qui finit mal. L’homme c’est Simon (Laurent Couson), un juif parisien qui sera dénoncé par ses voisins parce qu’il joue trop fort du piano. Ce même piano qui le sauvera de la chambre à gaz dans les camps de la mort car il deviendra le pianiste du mess des officiers allemands. Ce piano qu’il abandonnera à la libération pour devenir avocat, son autre passion.

J’arrête là le résumé du film. Sachez simplement que si la majeure partie du film se déroule pendant la guerre il couvre en réalité une période bien plus large, allant de la fin des années 1800 jusqu’à aujourd’hui.

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C’est difficile d’énumérer les qualités de ce film, un film de Lelouch se ressent avant toute chose. Le réalisateur a sa façon bien à lui de raconter les histoires, il y intègre des tas d’anecdotes, on a parfois l’impression qu’il part dans tous les sens et oublie ce qu’il avait développé au départ mais c’est pour mieux y revenir par un chemin détourné. Il traite depuis toujours et pour toujours des relations humaines, de l’amour et pourtant on se fait toujours avoir. On connaît ses marottes, on a l’habitude de ses circonvolutions, et malgré tout il parvient encore et toujours à nous surprendre, à nous mener là où on ne s’y attendait pas. Et c’est en partie ce que j’aime chez Lelouch : me laisser porter par un narrateur hors-pair, qui me mène par le bout du nez et joue avec mes sentiments de spectateur. D’autant qu’il n’a pas que ses ficelles de scénariste à son arc… Lelouch sait faire un casting. Il sait quel comédien mettre dans un rôle. Je ne sais pas du tout comment il s’y prend sur un tournage, s’il coache beaucoup ses acteurs, s’il les dirige exactement comme il le veut ou s’il les laisse faire, toujours est-il que chez Lelouch il n’y a jamais de fausse note du point de vue de l’interprétation. Jamais dans un de ses films je n’ai vu de comédien qui ne soit pas crédible dans un rôle. Ils y croient tous et de ce fait, on y croit aussi. Et son dernier film n’échappe pas à la règle.

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Les deux rôles principaux pour commencer. Audrey Dana, que j’avais découverte dans le précédent film de Lelouch, Roman de Gare (et qu’on voit aussi en épouse de Jean Dujardin dans Le Bruit des Glaçons), est bluffante. Cette actrice est d’un naturel déconcertant. Elle sourit, elle pleure, elle vit ce qu’elle joue. Elle regarde l’acteur en face d’elle et on est vraiment persuadé qu’il s’agit de l’amour de sa vie. Moi j’ai été éberlué par sa facilité à jouer tous les sentiments. Et pourtant elle n’a pas un rôle facile, parfois même elle n’a pas un rôle sympathique, les actes de son personnage peuvent prêter à discussion dès lors qu’on ne se place pas uniquement du point de vue d’une « amoureuse de l’amour », mais elle est d’un tel naturel, d’une telle douceur, que tout passe. Bref, elle est juste parfaite dans le rôle d’Ilva.

269 ces amours la dana
Le premier rôle masculin du film, est tenu par Laurent Couson. Qui ça ? eh bien si vous vous posez cette question c’est parce qu’il s’agit aussi de son premier rôle tout court. Laurent Couson est compositeur, c’est lui qui a co-écrit avec Francis Lai la musique du film. Et tout naturellement, Claude Lelouch a su que son personnage ne pouvait être interprété par personne d’autre que celui qui lui écrit ses morceaux de piano. Il a donc embrigadé Laurent Couson et en a fait son premier rôle masculin. Et quel pif il a eu encore une fois Lelouch. Laurent Couson dans le rôle de Simon est simplement incroyable. Ce type a une gueule, un charisme, une voix, un jeu déconcertants. Il est juste génial. C’est pour moi la révélation du film. D’ailleurs non, de l’année, y a pas de raison de bouder son plaisir. Il y a bien longtemps que je n’avais pas ressenti ça en voyant un type jouer la comédie. Et puis à ce talent inattendu d’acteur, il ajoute son talent de musicien. Toutes les parties musicales du film (oui désolé pour ceux qui n’aiment pas ça chez Lelouch, la musique a encore une fois une place prépondérante dans son film) sont jouées par lui en prise directe. Piano, trompette, chant, Laurent Couson est en live complet et ça rend du tonnerre. Je ne vous parle même pas du duo final entre Simon et Ilva, qui a l’air mi-écrit mi-improvisé et qui m’a laissé sur mon très honorable postérieur. Et je précise au passage : je hais pourtant les comédies musicales (parce que c’est pour les adolescentes boutonneuses, parce que c’est tout naze et que ça s’en rend même pas compte, parce que c’est pas sérieux et qu’on n’y croit pas une seconde, parce que ça puducu et que c’est toupourri, et parce que j’aime pas je vous dis !!).

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Comme je le disais plus haut (je m’excuse m’sieurs-dames, je sais qu’encore une fois je tartine des pages et des pages sur Lelouch alors que vous n’avez qu’une envie c’est que je vous laisse vous rendormir peinards), les films de Lelouch c’est avant tout un superbe casting, et ici encore c’est le cas. Vous verrez dans les rôles secondaires un excellent Dominique Pinon (comme à son habitude du reste), une inattendue mais parfaitement à sa place Liane Foly (qui, incroyable mais vrai malgré toutes ses retouches plastiques fait très authentique !), un Zinedine Soualem à béret dans un rôle de résistant, un très crédible et très charmeur officier allemand sous les traits de Samuel Labarthe (la scène de la Marseillaise est un très grand moment), deux beaux militaires américains interprétés par Jean-Jacques Ido et Gilles Lemaire tous deux impeccables, et Lelouch va même jusqu’à intégrer son propre personnage, Coco, d’abord en enfant de sept puis en adolescent apprenti réalisateur qui commence à expérimenter son fameux mouvement circulaire de caméra autour des personnages et faisant jouer ces rôles par deux de ses enfants Shaya et Sachka. Je mettrais un tout petit bémol sur la prestation du chanteur Raphaël, moins intense que les autres dans l’interprétation, l’air un peu timide, la voix trop douce, la moustache fluette, bref un je-ne-sais-quoi qui lui donne l’allure d’un gamin fragile sous l’occupation, il est beaucoup plus convaincant dans les scènes contemporaines.

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Évidemment les détracteurs de Lelouch retrouveront avec déplaisir tout ce qui fait sa patte. L’ambiance film choral avec sa multitude de personnages, d’époques, de lieux, toutes ces petites histoires secondaires qui viennent se coller à l’intrigue principale, la musique omniprésente (ici elle est même l’un des pivots essentiels du film). Ils y retrouveront son rythme qui prend le temps de s’attarder sur un personnage, sur un silence, sur une pensée, sur une image. Ils y retrouveront aussi le sous-texte de tant de ses films, le leitmotiv de Lelouch qui veut que l’amour soit placé au-dessus de tout, y-compris de la loi ou de la morale bien-pensante, qu’il pardonne tout et justifie même le pire. Ils y retrouveront ce qu’on lui reproche depuis toujours, cet étalage de bons sentiments, ce positivisme forcené qui le pousse à voir les pires moments d’une vie comme des passages obligés mais qui mèneront toujours vers quelque chose d’encore meilleur. Moi-même j’ai beaucoup de mal avec cette philosophie de la vie qui veut toujours voir le bon côté des choses, qui énonce comme théorème fondateur que chaque malheur est une des briques sur lesquelles se construit un nouveau bonheur (le fameux un mal pour un bien qui me révolte tant), et j’ai du mal à supporter les excès d’optimisme béat (autant que les broyeurs de noir incessants du reste). Mais quand c’est Lelouch qui illustre cet optimisme-là (justement pas si béat que ça chez lui), avec son talent, sa simplicité, sa sincérité, bah que voulez-vous, même mon réalisme grincheux huilé à l’objectivité méticuleuse dépose les armes. Je ne suis pas toujours d’accord avec sa philosophie, mais quand il met en image sa vision de la vie, avec ses cycles où bonheurs et malheurs se succèdent mais finissent toujours par nous faire avouer que « finalement ça en valait la peine », je lui laisse de bon coeur le dernier mot…

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Avec Ces Amours-Là, Lelouch fête ses cinquante ans de cinéma. Il y déclare son amour de la vie et du cinéma. C’est en quelque sorte un film-somme de tous ses précédents films, et tout comme il intègre un peu de son histoire personnelle dans le métrage (Coco le petit garçon que sa mère cache tous les jours dans un cinéma de quartier pour échapper à la Gestapo c’est vraiment lui pendant l’occupation allemande), il se permet même de boucler son film par une séquence faite de dizaines d’images tirées de ses précédents films, montrant tous les comédiens qu’il a tant aimé et mis en scène, comme un ultime hommage, comme une ultime déclaration.

Lelouch boucle la boucle. Et moi j’aime vraiment ça. Ça doit être mon côté midinette qui s’exprime…

269 ces amours la aff

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