Moleskine et Moi (Pop Culture : Movie Maniac)

314. Take Shelter

Tue, 31 Jan 2012 08:27:00 +0100

En ce début d’année 2012, est arrivé sur nos écrans Take Shelter de Jeff Nichols, un film indépendant américain qui a fait parler de lui lors de ses passages à Cannes et à Deauville (dont il a raflé le Grand Prix). Si les Nostradamus de tout poil aiment à prédire l’apocalypse pour cette année, et si les cataclysmes en tout genre font souvent recette au cinéma, Take Shelter aborde le sujet sans l’aborder. Car dans ce film il n’est pas tant question de la fin du monde en tant que telle, mais bien de la fin d’un monde, celui de Curtis LaForche.

Curtis LaForche (Michael Shannon) est un honnête homme tout droit issu de la campagne américaine typique. Trentenaire, marié, père d’une enfant sourde, ouvrier dur à la tâche, il vit dans un petit pavillon modeste mais agréable, roule en pick-up un peu défraîchi et va à la messe en famille le dimanche. On peut le dire, Curtis est un type bien, simple et travailleur, responsable et plein de bonne volonté. Bien sûr il ne roule pas sur l’or mais il ne rechigne pas à la tâche pour parvenir à payer l’opération qui permettra peut-être à sa petite fille Hannah d’entendre. Mais sa vie va basculer. Curtis commence à faire des rêves traumatisants, des cauchemars horribles dans lesquels une énorme tempête s’abat sur sa ville, où les gens deviennent fous et s’en prennent à lui et à sa fille qu’il ne parvient pas à protéger. Et puis petit à petit, tout doucement, les mauvais présages commencent à lui venir aussi en pleine journée. Visions, hallucinations, coups de tonnerre en plein soleil, vols erratiques de nuées d’étourneaux, … Curtis perd peu à peu le contrôle. Pourtant il est quelqu’un de raisonnable, il va voir un médecin, puis consulte une psychologue car il soupçonne dans ses rêves éveillés des signes de maladie mentale. Il faut dire qu’il est en terrain connu, sa propre mère ayant été diagnostiquée schizophrène paranoïde alors qu’il n’avait que dix ans. Mais tout raisonnable qu’il est, les choses qu’il ressent sont d’une telle force qu’il ne peut s’empêcher de s’atteler à la rénovation et l’agrandissement du vieil abri anti-tempête qu’il a au fond de son jardin. Sa femme Samantha (Jessica Chastain) et son ami Dewart (Shea Whigham) sont de plus en plus inquiets pour sa santé, mais Curtis n’en démord pas malgré tout ce que cela va entraîner pour lui : il doit absolument préparer un refuge pour sa famille avant que cette fameuse tempête cataclysmique n’arrive.

Le thème de Take Shelter et son ambiance sont rudes. On assiste à une lente descente d’un homme dans l’enfer de sa paranoïa. Le réalisateur Jeff Nichols réussit le tour de force de nous plonger dans la psyché de son personnage, en particulier lors des passages relatant les cauchemars de Curtis. Ces scènes sont franchement oppressantes à regarder, et on se retrouve à leur terme dans le même état que le héros, suffocant de peur, à la recherche désespérée de son souffle et d’un retour à la normale. Tous les passages où Curtis voit ses craintes se réaliser sont glaçants d’effroi, et parfaitement maîtrisés par le metteur en scène. D’ailleurs l’auteur parvient à ce point à traduire en image la paranoïa grandissante de Curtis qu’on en vient nous-mêmes parfois à douter. On en vient parfois nous-mêmes à nous demander si par hasard ce n’était pas Curtis qui a raison, s’il n’était pas doué d’un don de prédiction, si quelque chose d’horrible ne va pas finir par s’abattre sur tout le monde. Et on sent si bien à la fois l’isolement du héros et sa peur qu’on se prend presque à espérer que c’est lui qui a raison. D’autant que son obsession à protéger sa famille n’a comme conséquence que d’éloigner ceux qu’il aime de lui. Et pour cause, Curtis se transforme, et devient par moment aussi inquiétant qu’inquiet.

Si une grande part de la réussite de cette plongée dans la folie tient du talent du réalisateur, il faut également signaler les excellentes prestations des comédiens, Michael Shannon en tête. Je l’avais découvert il y a quelques années dans un film où il tenait déjà le rôle d’un personnage rongé par la folie et la paranoïa (faut dire qu’il a la tête de l’emploi aussi le garçon), Bug de William Friedkin. Mais là où Bug avait échoué selon moi, Take Shelter réussit : on est bel et bien dans la tête du héros et on ressent sa souffrance. Shannon ne surjoue pas, il est en équilibre parfait dans son rôle et est tellement crédible qu’il rend son personnage pourtant aride et introverti extrêmement touchant. Jessica Chastain (que j’ai découverte sur ce film, n’ayant pas encore vu le Tree of Life de Terrence Malick où elle tient un des rôles principaux) quant à elle hérite d’un rôle difficile également, qu’elle interprète avec beaucoup de justesse. La lente dérive de Curtis éveille en Samantha des sentiments très divers mais toujours profonds que l’actrice joue avec talent : la compassion, l’amour, l’inquiétude, la peur, le désespoir, la colère, la résignation... On sent chez cette comédienne une mine de talent brut. Et puis elle est jolie avec ça, avouez que ça ne gâche rien.

Je ne vais pas dévoiler la fin du film mais je ne peux pas non plus ne rien en dire. Il s’agit d’une fin assez ouverte, qui laissera une place à l’interprétation de chacun, ce que d’aucun trouveront peut-être dommage. Moi-même en ai été au départ un peu déçu, mais finalement après y avoir repensé, je la trouve adéquate et mesurée. Le film aura délivré assez d’éléments et d’indices tout au long de ses deux heures pour vous permettre d’avoir votre propre interprétation au final. Dommage que je ne puisse pas vous livrer la mienne ici, ce serait spoiler une partie du film et puis il vaut toujours mieux se faire sa propre opinion seul, n’est-ce pas ?
En tout cas je recommande Take Shelter, formellement très réussi, avec des acteurs criants de vérité, et une mise en scène aboutie et maîtrisée. Si le thème ne vous fait pas peur n’hésitez pas, vous aurez toujours bien le temps de voir une comédie une autre fois (car Serge Benamou et ses potes arrivent à grands pas…).

310. Shame

Tue, 17 Jan 2012 11:37:00 +0100

S’il est un acteur dont on peut dire qu’il aura trusté les salles de cinéma et les sorties dvd cette année, je crois bien que c’est Michael Fassbender.
Pour ma part en 2011 je l’ai vu cavaler en jupette romaine dans Centurion de Neil Marshall, assister en stetson au naufrage artistique de Jonah Hex, soulever des sous-marins nucléaires en tant que maître du magnétisme dans X-Men : Le Commencement* de Matthew Vaughn, se prendre la tête avec Sigmund Freud dans A Dangerous Method de David Cronenberg, et donc également tenter de satisfaire sa libido insatiable dans Shame de Steve McQueen (rôle pour lequel il a décroché le prix d’interprétation masculine à la Mostra de Venise).
D’ailleurs vous n’avez pas fini d’entendre parler du bonhomme, puisque rien qu’en 2012 il sera à l’affiche du prochain Steven Soderbergh (Haywire), du futur Jim Jarmusch (une histoire de vampires…), du nouveau Joel Schumacher (Blood Creek), du dernier projet de Darren Aronofsky en date (Noah) et surtout de la préquelle à Alien mise en boîte par Ridley Scott himself, Prometheus**.
Excusez du peu. Et encore je passe sous silence les projets plus confidentiels et pas liés à de grands noms du septième art comme ceux qui précèdent. Bref, Michael Fassbender a le vent en poupe, et à mon humble avis il le mérite.

J’en reviens donc à Shame. Vous en aurez peut-être entendu parler ou vous aurez peut-être remarqué son affiche toute en suggestion. Il fait partie de ces « petits » films totalement inattendus et à l’habit discret mais qui par leurs qualités auront su se créer un buzz positif chez les amateurs de cinéma. Fassbender y incarne Brandon, new-yorkais dans la trentaine, cadre dynamique qui travaille beaucoup, vit dans un appartement très classe où tout est clean et très sobre, et qui est atteint d’une réelle addiction au sexe. Solitaire dans l’âme, son obsession l’accompagne partout et à chaque instant. Quand sa sœur Sissy (Carey Mulligan) débarque sans prévenir et s’installe pour quelques temps chez lui, Brandon va devoir composer avec l’intruse à laquelle il va essayer tant bien que mal de dissimuler sa part d’ombre.

Pas évident comme thème, et plutôt casse-gueule. Ici pas de place pour l’humour ou la dérision, on n’est clairement pas dans une comédie. On y traite de sexe oui, mais aucune blague potache à l’horizon, afficionados des American Pie et consorts ce film n’est pas fait pour vous. L’addiction au sexe de Brandon est montrée crûment certes mais d’une manière extrêmement froide. Le film qu’on aurait pu penser sulfureux de par sa thématique, s’avère en réalité plus dérangeant et glaçant qu’excitant. On y voit du sexe, on y montre des déviances, des obsessions, des fantasmes mais aucune sensualité, aucune douceur, pas d’amour. Brandon baise, il ne fait pas l’amour. Il semble totalement dénué de sentiments, même dans la scène où on le voit pleurer pendant que sa sœur chante New-York, New-York, il semble d’une froideur extrême. En fait, on devine en Brandon quelque chose bouillir, et tout se passe comme si lui qui garde le contrôle en permanence devait par moment s’autoriser des soupapes d’évacuation sous la forme d’actes sexuels. Masturbation, prostituées, sexe sans lendemain, sites pornographiques, tout est bon pour assouvir les besoins immédiats qui prennent de plus en plus de place et de temps dans sa vie. Car hormis son addiction, Brandon ne montre aucune faille, semble solide comme un roc, insensible, invariable, intouchable. En un mot, inhumain.

C’est du reste tout le contraire de sa sœur du point de vue émotionnel. Sissy est hyper-émotive, cœur d’artichaut, fleur-bleue, extravertie, expressive et en recherche permanente d’amour. Mais les deux sont des paumés de première, des laissés pour compte des sentiments, elle avec un trop plein de sensibilité et lui d’une aridité suffocante. Brandon et Sissy formant finalement les deux faces d’une seule et même pièce : la solitude.

Leur confrontation est à ce titre dévastatrice. Ils ne se comprennent pas, ils se détestent car ils voient en l’autre exactement ce qui leur manque en eux-mêmes. Brandon en particulier, qui ne veut laisser place à aucune faiblesse mais qui voit bien que sa frêle petite sœur, toute insignifiante à ses yeux qu’elle est, lui renvoie à la figure à quel point il est lui-même fragile, sa présence intempestive chez lui la transformant en ce grain de sable qui enraye la machine si bien huilée de sa vie, qu’il s’évertue pourtant à maintenir à flots. Sissy est la preuve vivante et irréfutable que Brandon est en fuite perpétuelle. Comme s’il se réfugiait dans le sexe pour ressentir des choses si fortes et furtives, qu’elles l’empêcheront et lui éviteront de ressentir d’autres choses par ailleurs. Le sexe est la barrière qui le protège, le cache, mais aussi qui l’isole du monde extérieur, des autres. Le sexe ne se traduit pas dans les yeux de Brandon par la brillance du plaisir, mais bien par le voile de la douleur.

(Attention mini-spoiler)
Une des scènes les plus emblématiques, les plus touchantes mais aussi certainement les plus déprimantes étant celle où après un début de flirt avec sa (magnifique) collègue de travail Marianne (Nicole Beharie) qui s’annonce prometteur (sur le plan sentimental j’entends, très bons dialogues dans la scène du restaurant au passage), ils commencent à faire l’amour sans que Brandon ne parvienne à aller plus loin. Lui le bandard fou accro au sexe débande dès lors qu’un soupçon de sentiment s’immisce dans la relation…
… et pour fuir cet échec cuisant que fait-il ? il commande dans la foulée une escort-girl qu’il prendra sauvagement à l’endroit même où sa virilité s’est fait la malle face à un mot d’amour. Frustration, désespoir et fuite éperdue en avant sont là admirablement mis en images en quelque plans et en très peu de mots.
(Fin du mini-spoiler)

Vous l’aurez certainement deviné, Shame n’est pas un film léger, et encore moins un film divertissant. Le film est dur, parfois difficile à regarder (quand Sissy surprend Brandon en pleine partie de cinq contre un dans la salle de bain, la réaction de ce dernier est telle qu’on craint un moment le pire), mais très intéressant, intelligent et hypnotisant. Fassbender, qui a mon sens n’a pas volé son prix d’interprétation à Venise, m’a plus d’une fois fait penser au personnage de Patrick Bateman dans American Psycho, incarné au cinéma par Christian Bale. Le même détachement inquiétant à toute forme de sentiment (en dehors de la colère). Le même regard froid de psychopathe (bien que Brandon n’ait rien d’un tueur pour sa part). La même incapacité à se soustraire à leurs obsessions.

Shame est un film d’ambiance, sombre, glauque même par moments, exigeant mais viscéralement attirant. Les comédiens y sont très certainement pour beaucoup. Un film qu’on ne peut pas vraiment « aimer » au sens premier du terme je pense, mais dont l’aura dégage quelque chose d’interpellant. Et en poussant la réflexion un peu plus en profondeur, c’est un film qui nous parle aussi un peu de nous-mêmes et de ce que nos existences peuvent avoir de part d’ombre. Un film à ne pas mettre devant tous les yeux et encore moins dans n’importe quelles conditions, mais un film à voir cependant.

* Je n’ai pas parlé de ce film sur le blog, comme certains autres du reste, car je l’ai vu à une période de l’année où j’avais bien du mal à aligner trois mots suffisamment intéressants pour essayer d’en tirer un article digne de ce nom. Je le considère cependant comme l’un de mes préférés sur l’année, et sans hésiter comme le meilleur film de super-héros de 2011.

** Cherchez l’intrus. C’est pas compliqué : homonyme d’un gardien de but et d’un pilote de F1, tous deux teutons. Ils partagent tous les trois un amour infini pour la finesse et le bon goût.

308. Intouchables

Mon, 09 Jan 2012 11:22:00 +0100

Plus de 15 millions de spectateurs après sa sortie en salle, je me suis dit qu’il faudrait que moi aussi je me penche sur le film phénomène du moment : Intouchables. Cela dit j’ai hésité un peu, le nombre d’entrées n’ayant jamais été garant de la qualité d’un film. Pour preuve, je garde un souvenir mitigé du précédent gros carton au cinéma que fut le Bienvenue chez les Ch’tis de Danny Boon. Je l’avais trouvé moyennement drôle malgré tout le talent de Kad Merad (et je dois dire aussi que la participation de Michel Galabru m’avait vraiment fait marrer) et j’avais trouvé sa dernière demi-heure complètement ridicule.
Mais bon, Intouchables avait quand même l’air fait d’un tout autre bois, le pitch et les comédiens en outre m’attiraient beaucoup.

Et puis voilà, j’en suis sorti en me disant que finalement je n’avais pas que des goûts si bizarres que ça. Parce que pour citer François Cluzet dans le film, j’ai kiffé grave.
Du début à la fin, ce film sonne juste. Il est la plupart du temps très drôle, mais il touche également à des sujets sérieux et graves, voire tristes (du handicap évidemment, mais aussi de la précarité et de la pauvreté en France, du racisme ordinaire ou encore des inégalités sociales) tout en se gardant bien de se vautrer dans le piège du misérabilisme et du pathos.
Une fois n’est pas coutume, je vous fais grâce du résumé du film de Éric Toledano et Olivier Nakache, on en a tant parlé ailleurs que tout le monde sait de quoi ça cause je pense.

Ce que j’ai vraiment adoré dans ce film, c’est la rencontre improbable de deux personnages que tout sépare : physique, morale, origines, génération, condition sociale, culture… mais qui ont en commun deux choses essentielles : un solide sens de l’humour et un esprit ouvert. Ce qui est d’ailleurs assez étonnant de la part de deux types qui, pour des raisons très différentes, auraient toutes les raisons d’être aigris et d’en vouloir à la Terre entière plutôt que de prendre la vie avec le sourire comme ils s’efforcent de le faire.

Ce qu’on retient avant tout du film, c’est évidemment la prestation géniale de Omar Sy (Driss) et de François Cluzet (Philippe), tous les deux habités par leurs rôles, et d’un naturel effarant à l’écran.
On a d’un côté l’enthousiasme délirant et la bonne humeur communicative de Omar Sy et de l’autre la sensibilité et la finesse de jeu de Cluzet qui films après films s’affirme vraiment comme un des acteurs les plus complets et talentueux du moment.

Le duo fonctionne à merveille et ils nous embarquent avec eux dans leur histoire et dans leurs délires. Les seconds rôles sont presque anecdotiques tant les deux acteurs principaux bouffent l’écran, mais on retiendra en particulier Anne Le Ny (Yvonne) en bourgeoise gentiment coincée et Audrey Fleurot (Magali) en bombe incendiaire à la classe ultime et à l’humour piquant. On se marre beaucoup dans ce film, c’est rien de le dire, et on en ressort avec une banane énorme.
Je n’irais pas jusqu’à crier au génie absolu comme j’ai pu l’entendre ici ou là, mais vraiment, Intouchables est un excellent film et une comédie très réussie. Le cinéma français aura été gâté ces derniers temps.

305. Toutes nos Envies

Tue, 29 Nov 2011 11:03:00 +0100

Après avoir vu Polisse, je m’étais dit à moi-même (oui je me parle) que le prochain film que je verrai serait bien mal loti de passer après. Faut dire que le film de Maïwenn m’a tellement marqué que j’avais peur de trouver fadasse à peu près tout ce qu’on me proposerait dans la foulée.
Et j’ai hésité avant d’aller voir Toutes nos Envies de Philippe Lioret dont j’avais eu de lointains mais bons échos. Par crainte de ne pas le juger à sa juste valeur. Eh bien je me suis planté et c’est tant mieux : Toutes nos Envies a bel et bien tenu toutes ses promesses.

Dans le film on suit Claire (Marie Gillain), jeune juge fraîchement arrivée en poste à Lyon, et jeune maman de deux enfants. Elle traite entre autres d’affaires de surendettement, et c’est ainsi qu’elle va être amenée à s’occuper du cas d’une femme, Céline (Amandine Dewasmes) qui s’avère être la maman d’une petite fille qui est une amie de ses propres enfants. Décidée à aider Céline, elle va s’engager dans un combat contre les sociétés de crédit. Combat jugé perdu d’avance et vain par l’ensemble de sa profession. Mais Claire sort elle-même d’une famille qui a connu les privations et les problèmes d’argent, et se sent doublement concerné par ce genre de situations. C’est lâchée et même menacée par sa hiérarchie qu’elle va rencontrer Stéphane (Vincent Lindon), un juge chevronné, conscient des injustices légales mais qui a perdu ses illusions et semble désabusé quant à ses capacités à y changer quelque chose. Pourtant entre Claire et Stéphane va se créer une réelle complicité, une relation forte et particulière, une connexion qui va les lier dans leur combat contre le surendettement. Mais le combat de Claire n’est pas qu’altruiste, elle se bat également contre un mal intérieur qui la pousse à vivre dans l’urgence et à agir vite. Bientôt, sauver Céline devient pour Claire le but ultime, une façon pour elle de sauver sa propre famille.

C’est très difficile d’en dire plus sur le film sans en dévoiler certains aspects qu’il vaut mieux découvrir au visionnage. Toujours est-il que le film joue sur deux tableaux dont les interconnexions sont très fortes : d’une part l’aspect très juridique qui concerne la défense des particuliers face aux sociétés de crédits qui usent de méthodes insidieuses et malhonnêtes pour faire raquer les gens à des taux impossibles. D’autre part un combat intime, personnel, que mène Claire contre la fatalité et pour maintenir le bonheur au sein de sa petite famille.
Elle va entraîner avec elle Stéphane, d’abord sur le plan purement juridique puis dans son combat personnel. Ce film c’est aussi d’ailleurs l’évolution du personnage incarné par Vincent Lindon, désenchanté au début puis revigoré par l’enthousiasme et la volonté de Claire qui va le pousser à se révolter et ébranler un ordre établi contre lequel personne ne cherche plus à s’élever.

C’est justement grâce à ce parallèle incessant entre combat juridique (pour le bien de tous) et combat personnel (pour le bien de nos proches) que Philippe Lioret parvient à créer un lien très fort entre le spectateur et les personnages à l’écran. Ils sont vrais, ils sont sincères, volontaires mais faillibles, en un mot : humains. Et donc on adhère, on y croit, on est impliqué avec eux. Pourtant le constat est amer : il est ici très clairement démontré que la Justice ne privilégie pas ce qui est juste, mais uniquement ce qui est légal. Les sentiments et la morale n’ont pas prise sur un contrat. Et comme en écho à l’injustice légale, on réalise que dans nos vies intimes aussi, la justice n’a pas sa place. Les choses arrivent, peu importe qu’on les considère comme justes ou non, elles nous dépassent et s’imposent malgré tout.
Si le film ne laisse pas de doute ni d’illusion sur la Justice, il décortique le processus et la logique judiciaire jusqu’à en toucher les limites, et c’est finalement avec un certain cynisme qu’on se rend compte que les solutions, quand elles existent, sont détournées, pleines d’ironie. À défaut de tuer tout espoir en la société, Toutes nos Envies ne laisse pas pour autant sur un sentiment très positif ni optimiste à son sujet. On est plutôt dans la sensation qu’on reste définitivement englué dans un système extrêmement complexe et potentiellement très hostile dans lequel la plupart du temps « se battre pour changer les choses » a cédé sa place à « combattre pour survivre ». Tout n’est pas forcément perdu d’avance, mais l’idée de « vouloir c’est pouvoir » en prend un sérieux coup dans l’aile (pour ma part ça fait un bail que j’en suis revenu de cette philosophie de la vie gentiment naïve).

Mais ce qu’on retient avant tout de ce film, c’est que quelle que soit la situation, difficile ou même désespérée, même si on perd à la fin une chose prime : se taire c’est accepter et perdre doublement. Toute la force et toute la volonté du monde ne suffisent pas toujours à gagner, mais faire de son mieux est la seule façon de rester debout. À ce titre, la scène de Claire donnant son parfum à Céline est à mon sens peut-être la plus belle preuve de volonté et de force (ceux qui verront le film comprendront ce que je veux dire).

Vraiment, Toutes nos Envies n’est pas le film le plus gai qui soit mais n’en conserve pas moins une aura positive à mes yeux. Je ne peux que le conseiller, voilà encore un très bon film français en cette fin d’année.

303. Polisse

Fri, 04 Nov 2011 14:39:00 +0100

Ça y est, je pense avoir vu ce qui restera pour moi le meilleur film de l’année 2011. Bon d’accord je n’en ai pas vu des tonnes, et puis j’en ai raté quelques uns qui avaient l’air pas mal du tout, mais avec Polisse, le dernier film en date de Maïwenn, je crois avoir fait bonne pioche et tiré le grand gagnant de l’année.
Ça faisait un bail que je n’avais pas été à ce point touché, ému, bousculé par un film. Alors certes, selon la définition de chacun, un bon film sera tantôt un film qui vous divertira, tantôt un film qui vous fera rêver, tantôt un film qui vous fera réfléchir. Si ce Polisse à l’orthographe enfantine fait à coup sûr réfléchir et se poser beaucoup de questions sur notre société que d’habitude on préfère ignorer et ne pas mettre sur le tapis, il fait avant toute autre chose ressentir une foultitude de choses. Car Maïwenn, gourmande et gonflée, a truffé son film de dizaines de choses, d’idées, de scènes, de réflexions, qui traitées séparément aurait pu aisément donner lieu à plusieurs films. Et elle peut l’être, gourmande et gonflée, car Maïwenn assure derrière la caméra, devant la caméra et devant sa feuille blanche. Parce que la nénette réalise, tient un des rôles principaux (je suis d’ailleurs tenté de dire qu’il n’y a que des rôles principaux dans ce film) et se permet le luxe de signer le scénario et les dialogues (co-signer en fait, avec Emmanuelle Bercot). C’est très certainement d’ailleurs à ce poste-ci qu’elle m’aura le plus bluffé : ses dialogues sont juste parfaits. Ou parfaitement justes, c’est égal.

Bon d’accord, mais si je vous touchais quand même un mot de ce dont ça cause ?
Le film se déroule au sein de la Brigade de Protection des Mineurs (BPM) de la Police de Paris. Mélissa (Maïwenn) est une photographe missionnée par le ministère pour faire un reportage photo sur ce service, et va donc suivre pendant un mois une équipe de flics dans leurs enquêtes, leurs interpellations, leurs interrogatoires, et leur vie quotidienne. L’équipe à laquelle elle est intégrée est formée d’hommes et de femmes hauts en couleurs, en gueule et en caractère. Il y a le chef d’équipe Baloo (Frédéric Pierrot), Fred le dur au grand cœur (Joey Starr), Nadine (Karin Viard), Iris (Marina Foïs), Mathieu (Nicolas Duvauchelle), Chrys (Karole Rocher), Nora (Naidra Ayadi), Sue Ellen (Emmanuelle Bercot) et Bamako (Arnaud Henriet). Elle les suivra dans toutes sortes d’affaires, depuis la maltraitance parentale, aux affaires de pédophilie en passant par l’exploitation des mineurs, les viols ou encore les dérives d’internet… Mais ces hommes et ces femmes qui côtoient le pire de notre société et en font leur routine n’en restent pas moins des êtres humains à part entière, avec leurs failles, leurs faiblesses, leurs fous-rires, leurs passions, leurs vies privées. Et bien souvent quand on est flic à la BPM on ne peut pas « juste décrocher du boulot » à l’heure de rentrer chez soi. On porte ça en soi et on en est profondément marqué. Polisse est à ce titre un incroyable portrait, d’une rare finesse, pas seulement des policiers au contact quotidien des pires horreurs, mais des hommes au sens large.

Avec Polisse, vous plongez pendant deux heures dans un film qui baigne littéralement dans la réalité. Du reste on est briefé d’entrée : le film s’inspire de faits réels. Le traitement de l’image joue là-dessus d’ailleurs, puisqu’il n’est pas sans rappeler celui d’un documentaire ou d’un docu-fiction. D’où peut-être son pouvoir magnétique hors du commun : c’est bien simple j’ai été tout bonnement happé par le film et moi-même intégré à cette équipe de flics, incapable de me distancier de ce qui se passait à l’écran. On est là, en plein dans l’histoire, dedans jusqu’au cou avec les personnages, à ressentir tout ce qu’ils ressentent, à se prendre en pleine poire leur quotidien, à pouffer de rire parfois avec eux sans pouvoir se retenir, à se rebeller contre l’indicible cruauté de notre société, à se désespérer de ne pouvoir faire plus devant tant d’injustice et de misère. Et comme ces flics qui rentrent chez eux et ne parviennent pas toujours à « décrocher » de leur boulot, on sort de la salle de cinéma sans pouvoir décrocher de ce qu’on vient de voir, tellement c’est fort, tellement ça impacte la rétine et le cœur.

D’ailleurs j’en veux beaucoup à Polisse pour ça. Parce qu’après ce film ça y est, c’est officiel, j’ai la confirmation que je suis devenu une vraie chochotte alors qu’avant je pouvais voir les pires horreurs sans m’en soucier outre-mesure. Je me suis retrouvé à chialer comme une gamine, lors de la scène absolument déchirante d’une maman qui laisse son gamin de cinq ans à la BPM parce qu’elle est sans domicile fixe depuis six mois et qu’elle préfère s’en séparer pour le propre bien de l’enfant. Ce môme dont le désespoir et la colère vous explose à la figure, et en face de lui des flics impuissants dont un Joey Starr tout en émotions qui n’a que ses bras à offrir en réconfort … c’est juste un des moments les plus intenses que j’ai pu vivre dans un cinéma. Cette scène était si forte qu’il m’a été impossible de retenir mes larmes. Je n’avais aucune envie de les retenir d’ailleurs (heureusement entre midi et deux ce jour là j’avais la salle de ciné quasiment pour moi tout seul, sinon adieu la réputation de dur du Stéph)(comment ça « quelle réputation » ?).

La dite scène qui, soit dit en passant, est une des preuves les plus éclaboussantes du talent de comédien du chanteur de NTM. J’avoue, avant ce film je n’avais que peu de sympathie pour Didier Morville (ça le fait moins comme patronyme dans le genre caillera). Et si je l’avais trouvé assez convaincant dans des petits rôles comme celui qu’il a tenu dans la série Mafiosa de Canal +, j’avais quand même des doutes quant à son talent, sorti des rôles de gangsters et mauvais garçons. Oui je sais, un a priori de merde de ma part, mais bon voilà. Mais dans Polisse il est tout simplement exceptionnel. Il m’a scotché. Chopé par les roustons et laissé comme deux ronds de flan. Bluffé. Il n’y a pas meilleur rôle qu’un contre-emploi réussi, et là on y est en plein : Joey Starr en flic plus vrai que nature, débordant d’humanité et de douceur sous la carapace de dur à cuire. C’est pas pour autant que je vais me mettre tout à coup à aimer sa musique, mais en tout cas je n’ai plus aucun doute sur le fait que ce type déborde de talent. Maïwenn a eu du flair quand elle a composé son casting, et à n’en pas douter engager le rappeur pour ce rôle pouvait s’apparenter à un sacré coup de poker. Coup gagnant, l’acteur et la réalisatrice raflent la mise.

Et puisque j’en suis à parler de talent d’acteur et de scènes phares, je ne peux pas m’empêcher de citer le clash entre Iris et Nadine au bureau. Ça part d’un rien, ça monte en flèche vitesse grand V et ça explose en véritable hargne, témoignage de tonnes de ressentiments, de vexations et de reproches lancinants accumulés depuis des années. Les deux protagonistes de la dispute, Marina Foïs et Karine Viard qui pète littéralement un plomb, sont d’une justesse et d’une force… c’est à croire qu’elles se haïssent pour de vrai ces deux là ! Je pourrais aussi citer la scène de la prise de déposition d’une adolescente qui tourne en fou-rire incontrôlable, les interrogatoires d’hommes, pères ou grand-père, accusés d’actes sexuels envers leurs enfants, de cette femme qui maltraite son nouveau-né sans même se rendre compte de la portée de ses gestes, du raid des forces de polisse (oups, de police pardon) dans le camp de roumains au moment de séparer les enfants de leurs parents, et tant d’autres encore…
Tout ça pour dire que des preuves de talents il y en a à revendre dans ce film, et c’est une des caractéristiques principales de Polisse : tout y sonne juste.

Vraiment, j’ai adoré ce film, et je n’ai qu’une crainte c’est de le survendre. J’y suis allé sans en avoir vu une seule image auparavant, ni interview ni promo, j’avais juste entendu dire que c’était un bon film mais n’avais lu aucune critique ni article de presse à son sujet. Et j’ai été cueilli. Allez-y, je vous souhaite d’avoir une aussi belle et grande surprise que moi en le voyant.

Le film de l’année 2011, et de loin. L’année n’est pas finie ? M’en fous, c’est tout comme à mes yeux.

299. Le Complexe du Castor

Tue, 12 Jul 2011 11:36:00 +0200

Quelle ne fut pas ma surprise l’autre jour quand, divaguant sur un trottoir, en passant devant un cinéma et lorgnant distraitement sur la collection d’affiches des films projetés et à venir, j’en repère une avec Mel Gibson en gros plan, affublé d’un peluche en forme de castor.
Je m’approche, je regarde. Le Complexe du Castor, film de et avec Jodie Foster, rôle principal tenu par Mel Gibson.

Quand je parle de surprise… j’en étais resté aux frasques de l’acteur australien qui a fait bien plus parler de lui dernièrement dans la presse à scandales que dans celle consacrée au septième art. J’ai vaguement entendu parler d’affaires d’antisémitisme, d’ivrogneries diverses et de violence conjugale. De quoi blacklister le Mel pour tout ce qui est carnet mondain hollywoodien en somme. D’où mon étonnement de le voir à l’affiche d’un film. Ne niant pas un instant que Mel Gibson puisse n’être dans la vie qu’un sombre connard, pour moi il est et reste surtout un putain d’acteur, un gars qui m’aura marqué durablement pour tout un tas de raisons, dont les deux principales se nomment Martin Riggs et Apocalypto. Alors au-delà des scandales people qu’il suscite, le Mel Gibson acteur et réalisateur m’a toujours intéressé, et continue d’exercer sur moi une certaine curiosité, si ce n’est de l’attirance. Le film sortait le lendemain. Fallait bien que je vois ça…

Alors Le Complexe du Castor met en scène Walter Black. Walter a, a priori, tout pour être heureux. Il est marié à Meredith (Jodie Foster), père de deux garçons, l’aîné Porter (Anton Yelchin) et le petit Henry (Riley Thomas Stewart), il dirige une marque de jouets qu’il a héritée de son père. Pourtant Walter est sujet à la dépression. Une dépression si forte qu’il se détache de tout et de tous, irrémédiablement. Au point qu’après des années d’efforts et pour le bien de tous, Meredith décide de se séparer de son époux. Touchant le fond, Walter veut en finir. Mais le hasard le fait tomber un soir sur une marionnette de castor, qui va changer son existence. Walter va s’accrocher avec l’énergie du désespoir à cette marionnette, qui va lui permettre d’exprimer tout ce qu’il n’ose pas dire, et de devenir une autre personne : positif, volontaire, entreprenant, drôle, charmeur, bref : sûr de lui. Mais ce n’est plus Walter qui est aux commandes, c’est le Castor. Walter ne parle plus, c’est le Castor qui s’exprime par sa bouche. Faisant passer cela pour une thérapie de la dernière chance que lui a prescrite son psychiatre qu’il ne voit plus depuis belle lurette, Walter va développer une toute nouvelle personnalité à travers sa marionnette, au point de ne plus pouvoir s’en passer un seul instant…

Étrange film que ce Complexe du Castor… Difficile à cerner surtout. Parce qu’on a là plusieurs angles d’attaque, plusieurs traitements possibles de l’histoire (humoristique, dramatique, moraliste, mélo) qui sont tous empruntés à un moment ou un autre sans forcément exclure les autres. Évidemment la situation d’un Mel Gibson qui parle avec une marionnette au bout du bras prête à rire et Jodie Foster ne se prive pas d’en profiter un peu dans son film, tout comme elle parvient à donner dans le drame dès lors qu’elle aborde la relation conflictuelle père-fils de Walter et Porter. Parfois c’est too much (l’interview télévisée par exemple), parfois on est à la limite du mélo, mais sans jamais vraiment s’y lâcher complètement. À l’arrivée, je classerais tout de même ce film en comédie dramatique (ok, c’est un terme fourre-tout c’est pas faux non plus), mais ce flou artistique qui l’entoure n’a pas été pour me déplaire. Si je ne cautionne pas forcément tout dans le film, j’ai tout particulièrement été intéressé et touché par la relation, ou plutôt la non-relation devrais-je dire, entre Walter et son fils aîné. Il y a de belles idées : la liste des ressemblances que l’adolescent cherche à effacer est une jolie trouvaille, le trou dans le mur idem. De manière plus générale, si j’ai trouvé l’ensemble des comédiens plutôt bons et inspirés dans leurs rôles, c’est certainement Mel Gibson et Anton Yelchin justement qui s’en sortent le mieux. L’écriture des personnages n’y étant évidemment pas pour rien, Walter et Porter sont les deux piliers de cette histoire, qui a mes yeux se résume surtout et avant tout à cela : la relation père-fils.

Sans vouloir trop en dévoiler sur l’intrigue, je dirais juste que la fin ne donne pas dans la facilité, le scénario garde une certaine logique qui peut paraître dérangeante dans les faits, mais tout à fait défendable du point de vue de la cohérence globale de l’histoire. On oublie la happy-end mais on ne plonge pas non plus dans le pessimisme à tout crin, et je trouve ça plutôt bien vu finalement.

Pour en revenir brièvement à ce que je disais en introduction, je n’ai aucune idée de la manière dont Le Complexe du Castor a été accueilli, ni par le public ni par les professionnels. Je me demande bien si le film réhabilitera (ou pas) Mel Gibson aux yeux du tout Hollywood, mais en tout cas il confirme pour moi que l’interprète de Mad Max en a encore sous la semelle, et qu’il n’est pas si mort qu’on voudrait bien le faire croire. En tout cas j’ai aimé le voir dans ce rôle, là-dessus aucun doute.

296. La Proie

Wed, 22 Jun 2011 09:17:00 +0200

Film d’action. Course poursuite. Chasse à l’homme. Tueur en série. Survie en prison. Thriller.
Autant de mots et de concepts qui d’habitude s’accordent avec les bons gros blockbusters américains, les films à grand spectacle hollywoodiens.
Eh bien une fois n’étant pas coutume, vous retrouverez tout ça dans un film français. Avec des acteurs français. Qui se passe en France. Et devinez-quoi ? ça fonctionne du feu de dieu. Ça s’appelle La Proie, c’est mis en scène par Éric Valette, et c’est carrément réussi.

En prison pour un braquage de quelques millions d’euros, Franck Adrien (Albert Dupontel) purge sa peine tranquillement. Il n’en a plus pour très longtemps, à peine quelques mois à tenir. Pas évident du reste, parce que le pactole est caché là, dehors, à l’attendre bien sagement, et ça il n’est pas le seul à le savoir. Certains de ses codétenus sont au parfum, et aimeraient bien faire cracher le morceau à Franck : l’emplacement de sa planque reste encore un secret bien gardé. D’ailleurs Franck n’en a parlé à personne, pas même à Anna (Caterina Murino) sa femme dont les visites sont les seuls moments de bien-être dans l’existence confinée du taulard. Pour survivre en prison, Franck a adopté un profil bas, se mêlant de ses affaires, limitant les contacts. Jusqu’à ce qu’on lui colle un compagnon de cellule hors-norme : Jean-Louis Maurel (Stéphane Debac), un jeune homme fragile et apeuré, inculpé à tort pour pédophilie. C’est le point de départ d’une sombre machination qui va entraîner Franck dans une folle course pour sa survie et celle de sa famille. Le dos au mur, Franck va devoir s’évader de prison pour retrouver sa fille alors qu’il est lui-même devenu l’ennemi public numéro un aux yeux du pays tout entier. Accusé à tort de toute une série de crimes, Franck va devoir échapper à la traque des forces de police menée par la très volontaire et très décidée Claire Linné (Alice Taglioni) pour essayer de retrouver les siens et s’innocenter de tous les crimes qu’on lui reproche.

Albert Dupontel trouve dans ce film un rôle taillé à sa mesure. Plus connu pour ses rôles comiques et burlesques (Bernie, Enfermés Dehors, Le Vilain, etc...), il a pourtant déjà à son actif de beaux rôles à teneur plus dramatique (La Maladie de Sachs, L’Ennemi Intime, l’énormissime Deux Jours à Tuer entre autres) mais très peu de rôles finalement dans de « vrais » films d’action (Le Convoyeur ou encore Chrysalis mais dans une moindre mesure). Dans le film de Éric Valette il porte sur ses épaules 1h45 d’action quasi non-stop, où l’on ne s’ennuie pas une minute. Il y a du suspense (malgré quelques gros trucs qu’on voit venir de loin), il y a du rythme, et le tout est traité avec empathie. On est avec Franck, dans la peau du personnage, dans ce qu’il peut ressentir face au piège qui se referme sur lui impitoyablement.

Mais les autres comédiens ne sont pas en reste : Alice Taglioni est bluffante dans un rôle plutôt physique et athlétique là où on s’attendrait à la voir en jolie blonde un peu fragile. Stéphane Debac est exceptionnel de justesse, ce type se fond dans son personnage tout entier, ça en ferait presque froid dans le dos ! On croise également un Sergi Lopez très convaincant ou encore un Zinedine Soualem un tantinet caricatural mais bien carré dans son rôle. Et puis bon, Caterina Murino enchante de sa beauté la pellicule tout au long du métrage, dans un rôle secondaire mais au combien important. Cela dit, en ce qui la concerne je suis conscient de ne pas être le type le plus objectif du monde : c’est simple, même dans ce truc tout raté qu’est la récente série XIII, j’ai aimé la voir...

Et puis comme Dupontel n’est pas Tom Cruise et que c’est un grand enfant un peu casse-cou qui aime n’en faire qu’à sa tête, il a pu se la jouer Bébel sur le tournage, et ainsi se permettre d’effectuer lui-même toutes les cascades qu’a nécessité son rôle. Et il y en a quelques unes pas piquées des hannetons. Entre le toit des trains, les sauts dans le vide du second étage ou encore la baston sauvage en prison, Dupontel a eu tout loisir de mettre à profit sa formation de gymnaste (et il a de beaux restes le saligaud).

Pour résumer tout le bien que je pense de La Proie je ferais donc une petite checklist :

acteurs convaincants et convaincus

scénario bien ficelé et sans temps mort

action menée tambour battant

mise en scène à la fois réaliste et efficace

Bref, tout y est pour faire de ce film de genre une vraie réussite, dans un secteur du cinéma français (le film d’action) qui n’en connaît pas tant que ça.

Merci Éric Valette, merci Albert Dupontel.

Good job.

294. Sucker Punch

Fri, 29 Apr 2011 08:39:00 +0200

Voilà un film qui avait tout pour m’intéresser et me plaire. D’abord c’est le nouveau film de Zach Snyder, le réalisateur qui m’avait beaucoup plu avec son premier film L’Armée des Morts, complètement halluciné avec 300 et agréablement rassuré sur l’adaptation casse-gueule de Watchmen (bien que j’en suis conscient, ces trois films comptent également des hordes de détracteurs aussi virulents que moi j’ai été conquis). Ensuite Sucker Punch a été clairement annoncé et revendiqué comme un film de geek pour les geeks et complètement assumé en tant que tel. Autrement dit, c’est comme si Snyder promettait ouvertement : « vous avez aimé mes précédents films ? alors vous adorerez celui-ci ». Ouais, ou pas.

Avant d’aller plus loin, je vais tenter de résumer ce qui se passe dans Sucker Punch… Accrochez vous, je ne garantis pas la limpidité du résultat, l’exercice s’avère périlleux.

Tout commence avec une jeune fille, Baby Doll (Emily Browning), que son beau-père conduit dans un hôpital psychiatrique comme on se débarrasse d’un colis encombrant. Sur place il s’arrange avec l’infirmier en chef (un véreux de la pire espèce) pour que Baby Doll reçoive un traitement tout particulier : dans quatre jours, lors du passage du « High Roller » (Jon Hamm) (le supposément méchant médecin qui fait office de croque-mitaine comme dans une histoire pour enfants) elle sera purement et simplement lobotomisée. Dans cet asile, le docteur Gorsky (Carla Gugino) fait suivre à ses patientes des thérapies à base de musique et au cours desquelles elle les pousse sur une scène de théâtre à entrer dans des jeux de rôles au sein de mondes imaginaires qu’elles se créent. Baby Doll, pour rendre son sort plus acceptable, imagine qu’elle est enfermée non pas dans un asile mais dans une institution de la belle époque, mi-bordel mi-cabaret façon Moulin Rouge. L’établissement est tenu d’une main de fer par le directeur Blue Jones (l’infirmier joué par Oscar Isaac), et le docteur Gorsky y est la coach qui aide les filles à préparer leurs numéros de danse qu’elles présentent aux clients. Baby Doll devient rapidement la star tant elle est douée pour la danse. En effet quand elle danse, elle hypnotise l’assistance (au sens littéral) et entre elle-même dans un état second qui la fait glisser dans un niveau supplémentaire de rêve éveillé, dans lequel elle accède à des univers imaginaires foisonnants de décors de toutes sortes et de dangers plus grands les uns que les autres. Des mondes dans lesquels elle est une héroïne invincible, maniant armes et arts martiaux comme personne. Entraînant avec elle quatre autres pensionnaires devenues ses amies, Rocket (Jena Malone), Blondie (Vanessa Hudgens), Amber (Jamie Chung) et Sweat Pea (Abbie Cornish), les filles vont naviguer de mondes en mondes pour remplir les missions que leur confie un étrange sage / mentor (Scott Glenn). Chacune de ces missions est une quête d’un des quatre objets qui une fois réunis leur permettra d’atteindre leur but ultime : parvenir à s’échapper de leur prison dorée…

Voilà, j’avais prévenu, c’est pas évident à résumer de façon claire et concise. J’essaie en encore plus court tiens : une jeune fille est internée dans un asile. Elle modifie sa perception de la réalité et s’imagine dans un cabaret où l’on donne des revues de danse. Quand elle danse elle glisse encore dans une autre réalité imaginaire qui la voit vivre toutes sortes d’aventures rocambolesques. L’objectif de chacune de ces aventures fabuleuses étant de réunir les objets nécessaires à leur évasion du cabaret / asile où la jeune fille et ses amies sont enfermées.

Mouais, je ne sais pas si c’est plus clair, là. Je vais essayer encore plus court : une jeune fille complètement barrée s’imagine dans des aventures toutes plus incroyables les unes que les autres au terme desquelles elle pourra s’échapper de la réalité cauchemardesque qu’est sa vie.

Allez encore un essai : c’est un film où des nanas sexy mais un peu voilées de la toiture se coltinent avec toutes sortes de méchants pas beaux pour arriver à gagner leur liberté.

Bon, dernière tentative : Zach Snyder se fait plaisir en mettant en scène des bombasses en tenues sexy qui se foutent sur la gueule avec toutes sortes de monstres.
Voilà, là je le tiens mon résumé, c’est ça en fait !!

Parce que j’ai repensé au film. J’ai cherché sur internet où j’ai trouvé des tas d’analyses qui vont du « c’est nul j’ai rien compris » à des rapports détaillés de chaque plan et qui concluent en criant au génie incompris de l’auteur tant le film serait gorgé de références insoupçonnés et de sens cachés (si ça en intéresse certains, voici l’adresse d’un site où chaque scène est décortiquée et qui propose une lecture du film fort intéressante bien qu’un peu alambiquée à mon goût personnel…). Et en fait rien de tout cela ne m’a vraiment convaincu. Que Zach Snyder ait voulu un film plus compliqué qu’il n’y paraît à sa vision première cela ne fait pas l’ombre d’un doute pour moi. Qu’il ait réussi à s’exprimer clairement c’est déjà une autre paire de manches. Si vraiment le réalisateur a voulu faire de son film un petit bijou d’orfèvrerie dans le domaine de la complexité, il lui a manqué un certain talent de vulgarisateur et de conteur pour que le spectateur lambda (autrement dit moi, qui n’ai pas suivi d’études en troisième cycle de psychologie) ne se sente pas perdu dès que le film bascule dans l’environnement cabaresque (et je ne parle même pas de la suite). Chose qu’avait particulièrement bien réussi à faire Christopher Nolan avec ses différents niveaux de conscience dans l’excellent Inception.

Car à la complexité des non-dits, métaphores et symboles qui sont sensés émailler Sucker Punch, Snyder ajoute une difficulté supplémentaire en se tirant tout seul une balle dans le pied déjà lui-même bien comprimé par la basket de l’incompréhension (si vous avez compris ce que j’ai voulu dire dans cette phrase vous avez vos chances avec le film). Paradoxalement c’est le concept même du film qui joue contre lui, contre l’aspect complexe et cérébral qu’on veut lui accoler. Le concept (en tout cas, c’est comme ça qu’on nous l’a vendu) c’est celui d’un film de geek pour les geeks comme je le disais en préambule. Autrement dit un film où on va faire la part belle à l’action spectaculaire et aux références à la pop culture. Cahier des charges parfaitement rempli du reste, chaque mission des filles se déroulant dans des mondes multi-référencés.

On a pêle-mêle dans ce film : des samouraïs géants, un moine shaolin qui parle par énigmes, un dragon cracheur de feu qui combat un bombardier B-25 dans les airs, une armée d’orques en furie, des zombies allemands dans des tranchées de la première guerre mondiale, des mechas japonais géants, des robots high-tech de combat, une bombe nucléaire dans un train à grande vitesse en suspension, des combats au sabre, des mitraillettes lourdes, des zeppelins qui prennent feu au-dessus d’un Paris Steampunk, une prison de femmes qui n’accueille que des bombes, des guerrières en petites jupettes d’écolières avec des gros flingues, … j’en passe et j’en oublie à coup sûr. Bref, on a dans ce film à peu près tout ce qui plait à un geek, piochant allègrement dans la Science-Fiction, le Fantastique, l’Heroic-Fantasy, le film de guerre, les jeux vidéo (avec cette impression de passer au niveau supérieur d’un jeu de plateaux pour chaque nouvelle mission des filles), les animes japonais, le tout arrosé d’une bonne dose de fantasmes masculins et de jolies filles ultra-sexy.

Ce bain foisonnant d’action débridée et de décors sans limite de lieu ni de temps donne au film un côté certes très impressionnant et jouissif mais aussi un aspect très premier degré qui ne sied pas aux ambitions intellectualisantes qu’on veut bien prêter au film. Ça fait gros film de bourrin, super bien foutu et carrément décoiffant, mais film de bourrin quand même.
Et l’argument qui veut que les clés du film se trouvent également en partie cachées tout du long des titres choisis pour la bande son (on y croise entre autre Eurythmics, les Pixies, Björk, The Smiths, …) est certes intéressant lui aussi, mais pas forcément plus probant et convaincant que le reste des indices semés ça et là dans le film.

Autre aspect un peu décevant du film, c’est sa relative timidité, voire sa sagesse dans tous les domaines qui auraient pu faire du film une vraie œuvre dirty et vraiment décomplexée. Pas de sang, pas de sexe (les filles sont toujours sexy certes, mais toujours de façon, comment dire, très propre, très contenue, paradoxalement : de façon très sage !) et pas d’injures pour plaire aux sacro-saintes instances de la censure américaine. Le film doit pouvoir être vu par les jeunes spectateurs et ça se sent un peu trop, le contexte aurait tellement prêté à un peu plus se lâcher de ce point de vue là que c’en est dommage.

Cela dit, Snyder promet une version uncut pour la sortie dvd, avec pas loin de 20 minutes de scènes coupées (dont paraît-il une de sexe entre Emily Browning et le sous-exploité Jon Hamm, et qui serait certainement intéressante à voir) qui devraient mettre du piment au film selon ses propres dires… wait & see.

Pour sa première réelle œuvre de créateur (ses autres films étaient tous des adaptations d’œuvres existantes), Zach Snyder aura certainement voulu trop en faire. Cumuler son savoir faire et son envie de toucher à tout. Remarquez, c’est bien d’avoir de l’ambition. C’est bien aussi de connaître ses limites.
Car si Sucker Punch pêche, c’est très clairement d’un manque d’écriture. Pour ce qui est du visuel et de la mise en scène, Snyder a ses fans comme ses détracteurs acharnés (moi je suis plutôt réceptif à son style même s’il en fait un chouïa trop par moment), mais on ne peut pas lui ôter qu’il a un style bien reconnaissable et pour le moins efficace quand il s’agit de créer des images icôniques et spectaculaires. On peut le détester pour son usage parfois abusif du ralenti par exemple, mais on ne peut pas lui nier un véritable sens de l’image qui marque. À mon sens, Snyder est très certainement ce qui est sorti de plus intéressant de l’école des réalisateurs issus des clips et des codes à la MTV et consorts.

Snyder débute en tant que scénariste, Sucker Punch en est le témoin malheureux. Les plus médisants iront certainement même jusqu’à dire que le bonhomme n’est tout simplement pas fait pour l’exercice de l’écriture. Moi ce que j’en dis, c’est que c’est lui qui va diriger la prochaine adaptation de Superman au cinéma, pour laquelle il sera canalisé à la production et au scénario par les frères Nolan. Et un type qui a sa pâte visuelle avec des raconteurs d’histoires de la trempe des Nolan, ça augure du bon…

293. The Invention of Lying

Tue, 12 Apr 2011 07:56:00 +0200

Il y a des petits films qui passent relativement inaperçus, et qu’on chope comme ça presque au hasard en regardant le programme télé du soir. Et parfois on tombe sur une petite perle, totalement inattendue. The Invention of Lying, de Ricky Gervais est de ceux là.
Je ne connais quasiment pas Ricky Gervais, je savais juste qu’il est à l’origine de la série britannique The Office (qui a vu une version américaine désopilante avec Steve Carell à sa tête, et même une éphémère –et néanmoins très bonne- version française avec François Berléand dans le rôle principal), et puis tout dernièrement qu’il avait créé la polémique en tant qu’animateur-présentateur de la cérémonie des Golden Globes. À cette occasion il a réussi à se faire détester par un maximum de monde (je parle des vedettes du cinéma) en un minimum de temps, en lâchant vannes sur vannes (des trucs très drôles mais pas toujours très classes) sur les people du tout Hollywood.
C’est donc en quasi néophyte que j’abordais l’œuvre de l’énergumène en question.

Dans The Invention of Lying on suit l’existence d’un type plus qu’ordinaire, Mark Bellison (Ricky Gervais). Bien que contemporain, le monde dans lequel il vit a ceci de particulier que le mensonge et l’hypocrisie n’y existent tout bonnement pas. Chacun dit toujours la vérité et ce qu’il pense sincèrement. Mark n’a pas le physique d’un playboy, un peu grassouillet, pas très beau, il sait qu’il n’a que peu de chance de plaire à la belle Anna McDoogles (Jennifer Garner) dont il est pourtant raide dingue. D’ailleurs cette dernière ne cesse de le lui répéter : il n’est physiquement pas à la hauteur de ses attentes légitimes, contrairement à son rival professionnel Brad Kessler (Rob Lowe). Amoureux éconduit, sa situation va encore dégénérer lorsqu’il se fait renvoyer de son boulot de scénariste pour une société de production de films. Empêtré dans ses soucis financiers, personnels et sentimentaux, une alchimie extraordinaire va s’opérer dans le cerveau de Mark qui va alors avoir une idée aussi saugrenue qu’inédite pour s’en sortir : il va mentir ! Devenu le seul être au monde capable de mentir, il va faire tourner la roue du sort en sa faveur, son entourage étant psychologiquement incapable ne serait-ce que de conceptualiser la notion de mensonge. Cependant Mark n’est pas un mauvais garçon, s’il ment et qu’il en tire de petits bénéfices, il va surtout user de ce tout nouveau stratagème pour essayer de faire du bien autour de lui et rendre les gens heureux. Mais c’est bien connu, l’Enfer lui-même est pavé des meilleures intentions…

Bon, j’en dis un peu plus qu’un simple résumé sur ce film, mais c’est parce que le thème est propice à pas mal de réflexions que j’ai trouvées intéressantes, et auxquelles je ne m’attendais pas du tout dans une petite comédie sans prétention de ce genre. Aussi je risque de spoiler un peu le déroulement du film (sans non plus tout dévoiler), à vous de voir donc si vous voulez lire ce qui suit…

Dit comme ça, un « monde sans mensonge » ça n’est pas folichon. Mais mis en images par Ricky Gervais, l’idée prend tout son sel et cela devient vite savoureux ! Tout du long du film, Gervais met malicieusement dans la bouche de ses personnages ce que dans la « vraie vie » (la nôtre en somme) on penserait tout bas. Et cela donne des choses percutantes, drôles, inattendues au premier abord mais parfaitement à leur place dans ce contexte du « toute la vérité rien que la vérité ». Car il n’y a pas que le mensonge qui soit banni de ce monde, l’omission l’est tout autant ! Bref, chacun dit aux autres ce qu’il pense d’eux, même si on ne demande rien ! Ainsi quand Mark invite Anna au restaurant, le serveur se présente en précisant d’emblée qu’il est mort de honte de travailler dans un restaurant aussi mauvais, et après s’être enquis des liens de parenté de Mark et Anna (« vous êtes son père ? son frère ? son cousin ? ») lui assène juste avant de prendre leur commande un « laissez tomber vous n’êtes pas à la hauteur » tout ce qu’il y a de plus sincère. Dans le même genre, la pub à la télévision pour une marque de soda bien connue vaut son pesant de cacahouètes…

D’ailleurs, on peut également s’étonner en premier lieu du métier de Mark. Comment être scénariste pour le cinéma dans un monde où le mensonge n’existe pas ? C’est très simple en fait. Les seuls films produits sont à caractère historique. Et les acteurs sont en fait des conteurs qui lisent des scénarios tout droits sortis des livres d’Histoire, assis dans un fauteuil face caméra (captivant n’est-ce-pas ?).

Mais Ricky Gervais ne se contente pas de son contexte original pour jouer uniquement sur l’humour, il va plus loin, il ose s’aventurer dans d’autres domaines que la comédie pure. C’est tout naturellement qu’il en arrive à la question de la religion… Car dans son récit, puisque le mensonge n’existe pas… la religion n’existe pas non plus ! Bref s’il ne le dit pas expressément il nous laisse clairement imaginer ce qu’il pense de la religion. Et Mark, avec son don du mensonge (et pour élargir un peu, sa capacité à inventer des choses qui n’existent que dans son esprit) va donc tout simplement créer de toute pièce une religion ! Incroyable que ce soit dans une petite œuvre de comédie que je retrouve ma propre conception de la religion : des croyances exploitées et couplées à des règles dictées par des hommes à d’autres hommes, créant entre eux un rapport de pouvoir. Bon, fin de la petite digression sous forme de réflexion personnelle, j’en reviens plus directement au film.

Ce qui est amusant, c’est de voir comment il va en arriver là, par quel cheminement de pensée les choses vont s’enchaîner, avant de complètement lui échapper. Car encore une fois, tout part d’un bon sentiment : Mark est appelé au chevet de sa mère mourante, et devant la vieille femme apeurée par la mort imminente et l’inconnu du néant, il lui raconte pour la rassurer qu’il y a une vie après la mort, pleine de joie et de bien-être (le paradis chrétien revu et corrigé sauce Gervais). Et la vieille femme, incapable d’imaginer que Mark invente tout cela, le croit bien évidemment, et meurt rassurée, presque heureuse grâce à lui. Tout cela en serait resté là si le personnel de l’hôpital n’avait pas entendu Mark raconter son conte de fée à sa mère mourante. Car eux aussi sont incapables de penser qu’il puisse mentir (le mensonge n’existe tellement pas, que le mot même et sa définition n’existent pas), et bien vite la nouvelle qu’il y a une vie après la mort va se propager et faire les grands titres des journaux du monde entier !

Alors attention, tout intéressant qu’il est, The Invention of Lying n’est pas dénué de défauts pour autant. En premier lieu, il est beaucoup plus drôle au début que dans sa seconde partie. Il est également assez prévisible en ce qui concerne sa conclusion. Et puis par moment il y a des passages mielleux, limite gnians-gnians qui ne sont pas sans rappeler les comédies sentimentales à l’eau de rose. Sans parler des rapprochements inévitables avec la religion judéo-chrétienne et sa morale bien-pensante du fait de ressemblances parfois un peu trop appuyées, qui auraient pu être évitées.

Mais de manière générale j’ai trouvé ce film enthousiasmant, surtout devant la somme de réflexions qu’il traîne et entraîne dans son sillage. En particulier, l’idée que la vérité, l’honnêteté, la sincérité, qui sont des qualités pourtant unanimement plébiscitées, puissent être aussi le décor d’un véritable enfer sur terre. Gervais s’amuse à le démontrer tout au long du film, quand il fait dire à ses personnages les pires horreurs sous couvert de dire la vérité. Et a contrario, il parvient à démontrer les qualités cachées et insoupçonnées de défauts pourtant caractérisés tels que le mensonge et l’hypocrisie. Vivre en ne disant que la vérité, et surtout en ne cachant rien de ce qu’on pense, dans un monde où tout le monde se comporterait ainsi, le voilà le véritable Enfer… l’auteur aura au moins réussi à démontrer que pour être vivable, la vie doit comporter son lot de mensonges et de non-dits. Bref, il bat en brèche le tout-blanc / tout-noir qu’on a l’habitude de nous servir dès lors qu’on parle de bien, de mal, de morale ou de religion…
À voir.

290. Jonah Hex

Wed, 23 Mar 2011 13:48:00 +0100

Vous allez finir par croire que je ne regarde quasiment plus que des adaptations de BD en guise de films. Vous n’aurez pas tout à fait tort. D’ailleurs, dans ma filmothèque il y a une étagère uniquement consacrée à ça.
Oui, je suis le roi du classement de dvd.
Oui, j’ai un système de classement un peu à part.
Non, je n’ai pas toujours bon goût.

Ceci étant dit, j’ai pioché dans mon étagère le blu-ray (parce que oui, il faut se tenir à la pointe du progrès) de la très récente adaptation du comic éponyme de chez DC, Jonah Hex (pas sorti en salle en France, après un bide fracassant aux USA). Du personnage de papier, je n’avais jamais rien lu avant l’année passée quand Panini, fort à propos, a sorti des recueils consacrés au cow-boy défiguré dans sa collection DC Big Books. Jonah Hex c’est un dur de dur, un chasseur de primes qui se promène en tunique grise des sudistes de la guerre de sécession, une moitié de la face complètement refaite au fer rouge et avec pour meilleurs (et seuls) compagnons ses flingues. Jonah Hex c’est une légende de l’Ouest, le type que personne ne veut rencontrer, le beau gosse dont on voit une partie de la mâchoire à travers ce qui lui reste de joue, un tireur d’exception, un bagarreur qui ne craint rien ni personne, un suicidaire au cuir tanné par le soleil et dur comme la pierre. Un type à la morale fluctuante, qui n’a que deux objectifs dans ce qui lui tient lieu de vie : gagner le fric que peut lui ramener un contrat sur la tête d’un fugitif et qu’on lui fiche la paix. Inutile d’essayer de sympathiser avec lui, de l’attendrir ou de le séduire : Jonah Hex n’est ni sympathique, ni sentimental et n’en a rien à cirer du monde qui l’entoure. On peut dire sans trop risquer de se tromper, que Jonah Hex est juste un fou dangereux qui par chance pour la population du grand Ouest américain a décidé de se faire chasseur de primes plutôt que mercenaire.

Sévèrement secoué, Jonah Hex l’est sans l’ombre d’un doute. À ce titre d’ailleurs il dénote dans le paysage habituel des héros de comics. Impossible de le trouver attachant, impossible de s’y identifier, question sensibilité et humanisme il ferait passer le Punisher pour une fillette pleurnicheuse. Il n’y a objectivement rien pour en faire un héros à proprement parler : ni sa gueule d’amour ni ses motivations et encore moins ses actes. Il est l’incarnation ultime de l’aspect le plus noir du rêve américain : « démerde-toi et fais pas chier ou prends ça dans ta gueule ».

Enfin ça c’est la version comics.

Parce que forcément, pour le passer sur grand écran, le personnage a été très, très, très édulcoré. D’abord on l’excuse dès le départ d’avoir pêté un boulon en lui faisant subir un traumatisme originel : sa famille est brûlée vive par un foutu salopard pendant la guerre de sécession, et lui se retrouve affreusement défiguré par la même occasion (rien à voir avec ses origines dans le comic).

Ensuite, Jonah Hex (Josh Brolin) est présenté comme un dur à cuire et un solitaire, mais pas du tout comme un fou sanguinaire. D’ailleurs il se permet même d’entretenir une liaison (gratos) avec Lilah (Megan Fox) une des plus belles prostituées du coin, ce qui prouve bien que tout meurtri qu’il est le garçon garde un cœur (et se tape une bombasse au passage malgré sa gueule en vrac, vous pouvez donc l’admirer chers spectateurs lambda mâles). Et puis comme tout ça n’est pas assez, et que le film est estampillé « adaptation de comics » j’imagine que les scénaristes ont dû se dire que ce serait bien de lui coller aussi un super-pouvoir. Comme ça en plus ça sera l’occasion de placer de jolis effets spéciaux qui en jettent dans le film, c’est toujours ça de pris pour masquer le scénar à deux balles qu’ils ont pondu à côté. Donc Jonah se retrouve affublé du pouvoir de ressusciter les morts quand il les touche (ce serait pas piqué de Pushing Daisies ça par hasard les gars ?), le temps de leur soutirer quelques informations utiles et de les faire encore un peu jongler (car ils revivent l’espace d’un instant mais brûlent de l’intérieur) avant de les renvoyer en enfer définitivement (on appelle ça une double peine non ? enfin on s’en fout ils l’ont bien mérité de toute façon). Bref, tout ça pour montrer un Jonah Hex mandaté par le président des États-Unis d’Amérique en personne pour retrouver et empêcher de nuire l’ignoble Quentin Turnbull (John Malkovich), un renégat qui ne s’est jamais remis de la défaite des états du Sud et est devenu l’ennemi public numéro un.

Un terroriste cruel (histoire de le rendre encore plus détestable) qui a développé une nouvelle arme de destruction massive (ça vous rappelle des trucs ? pourtant je confirme qu’on est bien sensé être dans un western. Si, si.). Ah et puis ça tombe bien, il se trouve que c’est lui aussi qui a massacré la famille de Jonah et défiguré le cow-boy. Sans compter qu’il a enlevé Lilah l’infâme salaud ! Bref, Jonah Hex va pouvoir se lâcher, et combiner l’utile à l’agréable, puisqu’il est chargé de sauver le monde libre (comprenez les USA) tout en se vengeant d’un méchant qui le mérite bien.

Bon, mon résumé est certainement un chouïa orienté vers la critique négative, ça n’aura pas échappé à mes lecteurs qui sont fins psychologues. Mais si, mais si, pas de fausse modestie, vous êtes fins, géniaux et intelligents amis lecteurs. Et beaux aussi. Et incroyablement sexy. Non ceci n’est pas du racolage actif, juré. J’admire avec sincérité tous ceux qui me lisent encore !

Bref, qu’est-ce que je disais… ah oui ! vous aurez donc détecté dans mon ton un brin moqueur que je n’ai pas trouvé le film réalisé par Jimmy Hayward (inconnu au bataillon) très satisfaisant (vous avez vu, la langue de bois je sais faire aussi). Au point que je ne sais pas trop quoi dire d’autre à son sujet. De positif j’entends. Parce que je pourrais aussi préciser que dans le genre western on n’a pas grand chose à se mettre sous la dent, c’est plutôt tourné à la façon film d’action donc les amoureux des films de genre qui font la part belle aux garçons vachers n’y trouveront pas leur compte non plus. Je pourrais également pester sur la frilosité qui habite le film, aussi bien sur le plan de la violence (je m’attendais à quelque chose qui décape de la part d’un film mettant en scène Jonah Hex au lieu de quoi on est en plein pop-corn movie) que du sexe (c’est bien la peine de coller Megan Fox dans le rôle de la fille facile si elle reste aussi prude à l’écran), on passera évidemment sous-silence l’aspect subversif qu’aurait pu avoir le film si on avait un minimum respecté l’esprit du personnage.

Ah tiens une remarque au passage, vous y croiserez dans le rôle (court) du fils de Turnbull l’acteur Jeffrey Dean Morgan, qui commence lui aussi à se faire une petite collection d’adaptation de comics à l’écran après Watchmen et The Losers. Bon allez, je vais pas être chien, histoire de dire quelque chose de positif sur le film, les effets spéciaux assurent, c’est très joliment fait pour peu qu’on ne soit pas allergique aux effets numériques, ça va sans dire. Oui je sais ça fait léger, mais je fais ce que je peux hein.

Non bon, en gros ils auraient mieux fait de s’abstenir plutôt que de produire un tel film. Ou au moins l’appeler autrement. Quitte à ne rien garder de la BD Jonah Hex, autant virer le nom aussi, histoire de ne pas ôter l’envie à ceux qui ne le connaissaient pas de le découvrir en comics. Non pas que je sois un fan inconditionnel du comic book, que je trouve pas mal (surtout pour les différents styles graphiques qu’on peut y trouver) sans plus, mais juste par souci d’honnêteté envers le matériau d’origine. Dommage, le potentiel était là pourtant.