Voilà bien longtemps que je n’avais pas consacré une note à la BD ! En même temps je sais que ce thème n’intéresse pas la majorité de celles et ceux qui lisent mon blog, encore plus particulièrement quand je parle de comics de super-héros. Ne niez pas, j’ai eu des confessions à ce sujet…

Alors aujourd’hui je coupe la poire en deux : je vais vous parler de WE3 (prononcez « We free »), un comic mais pas de super-héros. Non, ce comic-ci a pour personnages principaux des animaux de compagnie ! Bon d’accord, pas n’importe lesquels non plus…


Aux États-Unis, un département spécifique de l’armée travaille dans le plus grand secret à l’élaboration de nouvelles armes biologiques. Mais pas de virus ébola mutant ou de variole survitaminée… les nouvelles armes biologiques (ou plutôt bioniques en fait) sont un chien (nommé 1), une chatte (nommée 2) et un lapin nain (nommé 3) ! Ces animaux domestiques ont subi différentes opérations qui en ont fait de véritables armes cybernétiques, bardées d’armures et de gadgets technologiques mortellement dangereux. Dotés d’une interface reliée à leurs cerveaux, ils peuvent également s’exprimer vocalement, un ordinateur formulant à leur place leurs pensées sous forme de concepts et de mots simples.


Mais quand l’armée décide de passer au niveau supérieur de développement et de se débarrasser des trois bébêtes, celles-ci ne l’entendent pas ainsi de leurs oreilles poilues et s’enfuient toutes griffes dehors. S’engage alors une chasse effrénée pour récupérer et éliminer les animaux fuyards, le tout le plus discrètement possible… Et ces mini armes de destruction massive ne seront pas si simples que prévu à maîtriser…


Le moins qu’on puisse dire c’est que le scénariste Grant Morrison démontre une fois de plus l’une de ses plus grandes qualités : il sait étonner et prendre au dépourvu ses lecteurs. L’homme qui a su relancer avec brio des X-Men qui naviguaient en pilote automatique avant son arrivée sur le titre en 2001 propose ici une histoire innovante, au ton original et au thème pas si enfantin qu’on pourrait le croire. Car si on peut y voir basiquement un discours anti-militaire et pour la protection des animaux, on est pourtant très loin d’une diatribe hystérique à la Brigitte Bardot. Ce qui transpire surtout de WE3 (comme d’ailleurs de l’ensemble de son œuvre, de façon plus ou moins évidente depuis Les Invisibles jusqu’à New X-Men en passant par Seven Soldiers of Victory)  c’est l’idée de transgression à l’ordre établi, la lutte pour la liberté, l’indépendance de l’esprit. Et même à travers trois boules de poils en guise de héros, Morrison parvient encore à faire passer des messages et des réflexions universels.

À ses côtés, il a fait appel à un très grand dessinateur écossais, Frank Quitely (The Authority, JLA : Earth 2, All Star Superman, …). Quitely a un style quelque peu controversé, les traits de ses personnages étant souvent mal considérés (trop boursouflés, pas assez lisses, pas assez beaux). Mais moi j’avoue que j’adore ce style percutant à mi-chemin entre un Richard Corben light et un George Perez sous acide ! Et si je ne devais retenir qu’une chose de ses planches, ce serait le dynamisme qu’il y insuffle.


C’est d’ailleurs à ce niveau que le bât blesse en ce qui concerne l’édition française de WE3, sortie chez Panini en début d’année. Pour adapter le matériau d’origine aux standards de taille des albums français, les planches ont été agrandies, en partie rognées par endroit, et à l’arrivée elles perdent un peu de la force qu’elles avaient dans leur format d’origine (le format comics US). Et au passage, le prix aussi augmente avec la taille… certains comics grand format commencent à coûter vraiment cher !
Dommage également que le « WE3 » du titre n’ait pas été francisé en « NOUS3 » par exemple, on y perd un peu en double-sens ainsi qu’en cohésion avec le reste des mots utilisés par les animaux, souvent phonétiques.


Mais cela étant dit, je considère que ces défauts restent minimes et que la BD mérite largement d’être lue en VF si la VO vous échappe (pas toujours évident à trouver par chez nous) ou vous rebute (pas toujours évident d’être un parfait anglophone non plus !!).

Donc si vous avez envie de lire une fable des temps modernes, où les animaux parlent certes un peu moins que chez Lafontaine mais castagnent un peu plus, WE3 fera votre bonheur !

 Brian Michael Bendis avait mis un point final à la mythique série Avengers de chez Marvel, avec une saga sanglante et tragique qui s’était soldée sur une conclusion bien sombre. De nombreux morts parmi les héros, la trahison d’un vengeur de longue date, la Sorcière Rouge, et la dissolution de l’équipe des Vengeurs dont les membres ne croyaient plus en l’avenir.
Bref, une fin apocalyptique, à la hauteur de ce qu’avait été la carrière des « héros les plus puissants de la Terre », bien qu’on pouvait lui reprocher certains points contestables (la mort de Œil-de-Faucon en tout premier lieu).

Mais si BMB a enterré les Vengeurs, c’est pour mieux les faire renaître de leurs cendres, le tout à la sauce Bendis cela va sans dire, en remaniant complètement l’effectif.
Ainsi donc naît sous le stylo de BM Bendis et les crayons de David Finch, la série New Avengers, dont le premier arc en six parties (ce format d’histoire est devenu depuis quelques années le standard dans les comics estampillés Marvel) raconte tout naturellement la genèse de cette nouvelle équipe. Cette première aventure, titrée Breakout ! démarre au pénitencier de Ryker’s Island, réservé aux détenus dotés de super-pouvoirs. L’attaque du super-vilain Electro (ennemi récurrent de Spider-Man) dégénère en évasion générale d’une multitude de super-gugusses bien décidés à user et abuser de leurs pouvoirs pour prendre la clé des champs. Déjà sur place, l’avocat Matthew Murdock (Daredevil), l’agent du S.H.I.E.L.D. Jessica Drew (ex-Spider-Woman) et Luke Cage (alias Power-Man) s’associent à Spider-Man alerté par le grabuge et Captain America et Iron-Man envoyés sur les lieux en renfort par le S.H.I.E.L.D. pour contenir les fuyards. Dépassés par la situation, ils sont aidés par un personnage mystérieux, lui-même incarcéré en quartier de haute-sécurité, Robert Reynolds dit Sentry.

Après l’épique bataille, le bilan est mitigé : la moitié seulement des évadés sont repris, les autres ayant disparus dans la nature. Convaincus que l’association inédite de leurs talents pourrait donner de bons résultats, Captain America et Iron-Man décident de former une nouvelle équipe avec tous ceux qui les ont aidé à contrer cette évasion à grande échelle. Seul Daredevil, trop attaché à son indépendance, ne se laisse pas convaincre par l’homme à la bannière étoilée, et bien que le cas de Sentry soit encore sujet à caution, les New Avengers sont créés en cette occasion.
En remontant la piste de Electro, les Vengeurs tombent sur le mutant Karl Lykos, alias Sauron, et partent à sa recherche en pleine Terre Sauvage (une jungle préhistorique coupée du reste du monde en plein continent Arctique), mission au cours de laquelle se joint à eux le mutant Wolverine. Mais la piste remonte encore bien plus loin, impliquant dans un trafic d’armes, d’esclavage d’indigènes de la Terre Sauvage et dans une organisation criminelle de grande envergure de mystérieux individus très hauts-placés, peut-être au sein même du S.H.I.E.L.D. (la force de paix et service de renseignements de l’ONU).


Le premier story-arc se termine sur la révélation de l’existence d’un complot d’ordre mondial sur lequel les New Avengers comptent bien enquêter et démasquer les responsables.
La nouvelle équipe des Vengeurs comprend donc après ces six premiers épisodes les incontournables Captain America et Iron-Man, le remuant Spider-Man et Wolverine dans un genre plus « sauvage ». L’idée de Bendis était d’adopter en partie le concept du concurrent de Marvel, DC avec sa JLA : réunir les héros les plus charismatiques et vendeurs de la maison d’édition au sein d’une même équipe. D’où la présence de Spider-Man pourtant héros solitaire par excellence, et surtout du X-Man vedette, Wolverine en personne, dont l’intégration aux New Avengers a un peu fait polémique chez les fans. En effet, le mutant griffu a non seulement une image très éloignée de celle, très classique, des Vengeurs, mais en plus il devenait ainsi omniprésent dans une bonne demi-douzaine des séries régulières les plus vendues de la firme (sans compter ses innombrables apparitions dans des mini-séries).

Mais Bendis ne se contente pas de prendre les plus connus et d’en faire une équipe comme on exécuterait basiquement une recette qui a fait ses preuves, il y ajoute quelques personnages secondaires ou tombés en désuétudes mais qu’il chérit depuis toujours. Ainsi, il ressort Spider-Woman (la première version, car il y en a eu trois différentes) de la naphtaline où elle avait été oubliée depuis de nombreuses années et c’est un succès : le personnage féminin des New Avengers connaît d’emblée un regain d’intérêt de la part des lecteurs. Autre chouchou du scénaristes, Luke Cage, héros charismatique tout droit sorti de la période Black-xploitation des années 70, mais éternel second couteau, est mis sur le devant de la scène. Et la grande curiosité reste Sentry, un personnage atypique (sorte de Superman sauce Marvel), qui n’a connu qu’une mini-série au succès confidentiel il y a quelques années, mais que Bendis va développer et transformer en une des pièces maîtresse de son équipe…


Bref, cette nouvelle mouture des Avengers séduit bel et bien par son cocktail de classicisme et d’originalité. Le ton est dur, sombre et sérieux, les dialogues restent le point fort de BMB, et le dessin confié au surdoué (quoique par le passé parfois un peu m’enfoutiste) David Finch confirme l’impression de qualité qui se dégage de cette série qui démarre en trombe.

Visiblement Bendis et Finch prennent leur boulot très à cœur et on sent qu’ils désirent marquer de leur empreinte l’histoire des Vengeurs avec ce relaunch en profondeur.

Pour l’instant le pari, bien que très osé, est incontestablement réussi, espérons que la suite confirmera la montée en puissance du duo créatif aux commandes de New Avengers. À lire pour se réconcilier définitivement avec les Vengeurs !

 
(En VO ça se lit dans les épisodes #1-6 de New Avengers chez Marvel, et en VF dans les #5-10 du magazine mensuel Marvel Icons chez Panini/Marvel France)

Vous avez déjà tous entendu parler des X-Men ? En BD, au cinéma, en jeu vidéo ou encore en dessin-animé, on a eu du mal à leur échapper ces dernières années. Les X-Men, créés dès 1963 dans Uncanny X-Men #1 par Stan Lee et Jack Kirby, après des débuts plus que timides, ont connu le succès à partir de 1975 et de la prise en main du scénario par Chris Claremont. Dans les années 80, leur popularité a littéralement explosé. Depuis ils sont devenus le fer de lance de l’éditeur Marvel, une véritable institution.

Face à ce succès sans égal, Marvel a été très réactive, et s’est empressée d’exploiter le filon. Tout un univers s’est alors développé autour des mutants, tout ce qui était de prêt ou de loin estampillé « X » se vendait comme des petits pains. Les séries spin-off ont donc fleuri : d’abord les Nouveaux Mutants, puis pêle-mêle X-Factor, Wolverine, X-Force, Cable, etc … sans parler des mini-séries évènementielles à n’en plus finir. En 1991, Chris Claremont et Jim Lee lancent une seconde série mensuelle consacrée aux X-Men, sobrement intitulée X-Men, et qui venait donc s’ajouter à Uncanny X-Men. Avec le succès, les personnages mutants s’étaient à ce point multipliés qu’il n’y avait aucun inconvénient à avoir deux équipes d’X-Men distinctes, une pour chaque série.


Tout récemment, c’est une troisième série régulière consacrée aux mutants qui a vu le jour. Pour éviter le phénomène de « ras-le-bol » des lecteurs devant toutes ces séries X, Marvel a joué la carte des « vedettes ». La nouvelle série, baptisée Astonishing X-Men, a été donc confiée aux mains d’une équipe choc : Joss Whedon au scénario (le créateur de  Buffy et les Vampires en personne) et John Cassaday au dessin (auteur de superbes épisodes de Planetary entre autres, également dessinateur de Je suis Légion en ce moment chez les Humanoïdes Associés).
Et la fine équipe a fait très fort : Astonishing X-Men #1 s’est vendu à plus de 210 000 exemplaires, et s’est stabilisé aux alentours des 135 000 ventes par numéro, là où ses aînées se vendent en moyenne à 90 000 unités pour Uncanny X-Men et 80 000 pour X-Men. Astonishing X-Men fait partie en ce moment des toutes meilleures ventes de comics aux USA.


Les personnages repris par Whedon et Cassaday pour former cette nouvelle équipe sont des « classiques » de l’univers mutant : Cyclope, Emma Frost, le Fauve, Kitty Pryde et l’incontournable Wolverine. Leur première aventure se compose d’un story-arc de 6 épisodes, nommé Gifted, qui plante à la fois le décor, précise d’entrée les relations entre les membres de l’équipe, introduit un nouvel ennemi (l’extraterrestre Ord), lance plusieurs subplots intéressants et surtout ramène d’entre les morts un autre illustre X-Man. Rien que ça !


Quelques points importants à retenir de Gifted : d’abord les costumes en spandex sont de retour chez les X-Men. En effet, après le succès des films, le scénariste de l’époque, Grant Morrison, avait relégué les costumes bariolés au placard, histoire de mieux coller à la version cinématographique des personnages. Ces dernières années les X-Men arboraient donc un simple uniforme en cuir noir, très passe-partout et sobre. Le retour aux costumes de couleur marque ainsi une rupture avec ce qu’avait fait ces derniers temps Morrison. C’est aussi la volonté affirmée d’ancrer la série dans un contexte plus tourné « super-héros » que ne l’avait fait le scénariste britannique. Bref, Whedon marque sa différence et opère par la même occasion un « retour aux sources » graphiquement parlant.

Ensuite le ton de l’histoire évolue. Le côté très sombre, adulte et froid de Morrison fait place à un rythme plus dans la tendance « actioner », les thèmes graves restent présents mais Whedon insuffle une certaine dose d’humour à ses histoires. D’ailleurs l’expérience des séries télévisées de l’auteur se ressent tout particulièrement dans le découpage de l’action et dans les dialogues vraiment excellents.

Pour ce qui est de l’histoire en elle-même,  elle voit les X-Men affronter un inconnu, Ord (qui semble leur en vouloir personnellement pour des raisons encore un peu obscures), pendant qu’une éminente généticienne, Kavita Rao, lâche une véritable bombe dans les médias : elle affirme que les mutants ne seraient pas une nouvelle étape dans l’évolution de l’homme, mais les victimes d’une maladie génétique. Maladie à laquelle elle aurait trouvé … un vaccin ! ce qui n’est pas sans susciter l’émoi au sein de la communauté mutante…
Au cours de leur enquête, les X-Men vont découvrir que Ord et le docteur Rao sont liés, mais surtout que l’un des leurs qu’ils croyaient mort (depuis Uncanny X-Men #390, en mars 2001) était en fait prisonnier et leur servait de cobaye pour l’élaboration du vaccin : Colossus, le géant à la peau métallique, bien vivant et en pleine forme. Celui-ci rejoint logiquement l’équipe dès sa libération.


Scénaristiquement, Astonishing X-Men démarre vraiment bien, c’est indéniable. Moi qui avais certaines réserves sur Joss Whedon (non seulement il débute dans le monde des comics, mais surtout je suis tout sauf fan de ses séries télé Buffy et Angel…), je dois bien dire qu’il est vraiment à la hauteur du challenge. L’autre grande force de la série, c’est l’orfèvre John Cassaday. Il fait ici plus que confirmer son talent de dessinateur, il le magnifie. Dans son style pseudo-réaliste il introduit du punch, du rythme, de la force et du glamour, c’est je pense son meilleur travail à ce jour (du moins de ce que j’ai déjà pu lire de lui).

 Astonishing X-Men est une « grosse machine », et elle tire vers le haut tout l’univers mutant de Marvel qui avait bien besoin d’un nouveau souffle depuis le départ de l’excellent Grant Morrison. Si vous ne deviez lire qu’une série X, choisissez Astonishing X-Men sans hésiter, c’est du tout bon.

  
(En VO ça se lit dans les épisodes #1-6 de Astonishing X-Men chez Marvel et en VF dans les #1-6 du magazine mensuel Astonishing X-Men chez Panini/Marvel France.)

L’Affaire du voile, c’est le nouvel album des aventures de Jack Palmer, le privé en imperméable et personnage fétiche de René Pétillon. Rappelez-vous il y a quelques temps du précédent album qui avait déjà fait parler de lui : L’Enquête Corse. L’album avait même si bien marché (et disons le clairement : il l’a bien mérité car il était vraiment génial de drôlerie) qu’une adaptation au cinéma avait été tournée dans la foulée avec Christian Clavier et Jean Reno. D’ailleurs le film était lui-même assez plaisant, car il avait su conserver l’humour et l’esprit de la BD (ce qui avouons-le dans ce genre d’entreprise n’est jamais gagné d’avance).

Cette fois Pétillon entraîne son anti-héros dans une enquête au cœur de la communauté islamique, et surtout en plein dans un sujet d’actualité délicat : la religion musulmane en France. Rompu à l’exercice de style depuis ses nombreuses années de collaboration avec le journal du Canard Enchaîné, Pétillon sait croquer les thèmes d’actualité avec humour et justesse. Il avait déjà fait mouche quand il avait abordé avec brio le nationalisme insulaire et le terrorisme indépendantiste corse dans la précédente enquête de Jack Palmer, et cette fois encore il confirme son talent.

Il pointe du doigt les travers, les incohérences, dérives et exagérations de tout ce qui alimente la polémique aujourd’hui en France. Personne n’échappe au regard malicieux de l’auteur, et les personnages qu’il met en scène représentent plutôt bien l’ensemble des gens impliqués dans le vaste débat de la place de la religion dans un pays laïc tel que le notre.
Depuis les salafistes intégristes bornés, aux politiciens qui pensent régler les problèmes d’un coup de baguette magique, en passant par l’imam modéré et progressiste mais un peu dépassé par les évènements, les jeunes musulmanes qui revendiquent leur volonté de porter le voile, les petits bourgeois à côté de la plaque et complètement déconnectés de la réalité, et les jeunes paumés en plein conflit de générations et à la recherche d’une identité communautaire…


Ce qui est vraiment remarquable avec Pétillon, c’est qu’il appuie là où ça fait mal, se moque des contradictions et absurdités engendrées par les comportements des uns et des autres, mais tout cela sans jamais être méchant, provocateur ou accusateur. Bref, c’est fin et enlevé, même s’il faut bien le dire, cet album prête moins à rire aux éclats que le précédent (à cause d’un thème trop « chaud », d’un sujet trop tabou, de peur de choquer les convictions les plus affirmées ? Peut-être un peu de tout ça, peut-être aussi parce que les enjeux ont une certaine « gravité » parfois tétanisante, je ne sais pas vraiment en fait).

Il n’en reste pas moins quelques situations et répliques bien senties. Par exemple la femme de l’imam modéré qui interdit formellement à son fils aîné de « ramener à la maison » une fiancée voilée, ou quand un certain Saïd Asal (« Miel » en arabe), qui fait clairement référence à Tariq Ramadan soit dit en passant, parle de « moratoire sur la question sensible de la lapidation des femmes » …

Bref, Pétillon a réussi son coup avec cette nouvelle enquête de l’inénarrable Jack Palmer, mais malheureusement il semblerait d’après les premiers échos glanés dans les médias qu’il n’ait pas réussi à faire autant rire les musulmans qu’il n’était parvenu à faire rire les corses avec les tribulations de son détective en Corse…
Preuve supplémentaire qu’on peut de moins en moins rire avec (et encore moins remettre en question) des sujets comme la religion de nos jours ?

Le Journal de mon Père est un manga.
Moi qui ai appris à lire avec Tintin, qui a été élevé avec Astérix et Gaston Lagaffe, et qui suis tombé dans les comics avant même d’entrer dans l’adolescence, j’ai mis très longtemps avant de lire un manga. Et c’est en écoutant les conseils avisés de connaisseurs en la matière, que j’ai décidé d’attaquer ce pan manquant à ma culture BD. Après le franco-belge et l’américain, je ne pouvais décemment pas rester à l’écart indéfiniment de l’art séquentiel japonais.
J’avais beaucoup d’a priori sur la question, mais l’auteur par lequel j’ai commencé ma découverte de ce continent de papier inexploré, en a balayé un bon nombre.
L’auteur en question, c’est Jirô Taniguchi, internationalement reconnu et primé pour ses mangas de qualité. Et Le Journal de mon Père est peut-être l’un de ses tous meilleurs.


Tout d’abord, mes réticences face aux mangas étaient dues au dessin. Bizarrement d’ailleurs, car je fais partie de cette génération qui a adulé Goldorak à la télé, et qui était passionnée par les aventures de Cobra ou des Chevaliers du Zodiaque, qui firent l’âge d’or du fameux Club Dorothée ! Mais je n’étais jamais parvenu à opérer le passage du petit écran au papier. À mes yeux, tous les mangas se ressemblaient, et j’ai toujours été bloqué par les collégiennes aux yeux immenses et par les grimaces grotesques des faire-valoir comiques. Évidemment, maintenant que j’ai pris la peine de feuilleter, comparer et découvrir plusieurs mangas différents, j’ai compris que le genre ne se limite pas à cette définition un peu primaire. J’ai pu me rendre compte de l’étendue d’auteurs différents, et surtout de la qualité de certains d’entre eux.

Deuxième a priori justement : les scénarios. Avant j’associais bêtement mangas et histoires aux scénarios sans fin, peu inventifs, très répétitifs, ultra-basiques, tirés en longueur et tournant toujours autour de deux axes principaux : l’humour et la baston (je passe volontairement sous silence le cas particulier des mangas érotiques).
En gros je m’imaginais qu’il ne s’agissait que de variation à l’infini d’histoires et de personnages à la Dragon Ball. Là encore, j’avais tout faux. Ou du moins sur le principe, car il faut avouer que ce genre est très présent dans la production nippone, mais le manga c’est aussi plein d’autres choses.

Le tout premier manga auquel j’ai vraiment accroché, c’était Quartier Lointain, lui aussi de Jirô Taniguchi. Et il y a quelques temps donc, j’ai pu lire Le Journal de mon Père, et là encore, j’ai été scotché.
L’histoire est celle de Yoichi, et des relations compliquées qu’il a eues avec son père tout au long de son existence. Du traumatisme qu’il a subi au divorce de ses parents, la disparition inexpliquée de sa mère alors qu’il était encore un enfant, et la communication quasi-inexistante entre un fils et un père dont la discrétion confine presque à l’austérité.
Le livre commence avec la mort du père de Yoichi, et nous invite à suivre le jeune homme au fil de ses pensées, qui en cette occasion va se remémorer toute sa vie. C’est avant les funérailles, en écoutant les amis et la famille raconter leurs souvenirs du père de Yoichi, que celui-ci va découvrir sous un jour nouveau l’homme qu’il croyait connaître et qui était devenu presque un étranger pour lui.
Cette histoire est l’histoire d’une profonde remise en question, par moment douloureuse mais finalement salvatrice pour Yoichi. Taniguchi nous plonge dans la culture japonaise si particulière, avec ses coutumes et son art de vivre, où le respect et l’honneur sont des valeurs traditionnelles et prépondérantes. Et pourtant le contexte, lui, reste universel. Au-delà du conflit des générations, la communication au sein d’une famille n’est pas toujours évidente. Quand les personnalités entrent en conflit, que le désir d’indépendance des uns est confronté à l’amour trop protecteur des autres, quand les silences et les non-dits l’emportent sur les mots et le partage des émotions.

En définitive, Le Journal de mon Père m’a vraiment subjugué malgré son rythme lent (il faut bien ça pour revenir sur une vie entière). L’histoire est belle bien que triste, et l’auteur dessine aussi bien qu’il raconte (ou peut-être est-ce l’inverse).
Je crois que les mangas n’ont pas fini de m’étonner, et c’est tant mieux.